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MensajePublicado: 30 Apr 2008 6:35 pm     Responder citando

Dana Andrews




Dana Andrews (1 de enero de 1909 - 17 de diciembre de 1992) fue un actor estadounidense.

Carver Dana Andrews nació en una granja de Collins (Covington County, Misisipi, EE. UU.). Era el tercero de los trece hijos que tuvo el reverendo baptista Charles Forrest Andrews y su mujer Annis. La familia se trasladó a Huntsville (Texas). Allí el joven Carver acabaría sus estudios y estudiaría administración en Houston, trabajando durante una temporada en la empresa Gulf & Western.

En 1931, Dana viaja a Los Ángeles, California para buscar oportunidades como cantante. Trabajó en diferentes trabajos para sobrevivir como dependiente en una gasolinera en Van Nuys a la espera de una oportunidad. ésta le llegó gracias a uno de sus clientes que le pagó las clases de ópera y del Pasadena Playhouse, una prestigiosa escuela de arte dramático. En 1940, Andrews firma un contrato con Samuel Goldwyn y nos llega su impresionante debut en la película de William Wyler El forastero protagonizada por Gary Cooper y Walter Huston.

En estos primeros años, Andrews intervino en algunas de las películas consideradas referentes del cine norteamericano de los años cuarenta. Así, el nombre de Andrews es habitual en Bola de fuego (1941) de Howard Hawks, encantadora actualización del cuento infantil "Blancanieves y los siete enanitos" junto a Gary Cooper y Barbara Stanwyck; Aguas pantanosas (1941) de Jean Renoir con Anne Baxter, La ruta del tabaco (1941) de John Ford junto a Gary Cooper y Gene Tierney o el maravilloso western El incidente Ox-Bow (1943) de William A. Wellman.

Pero sin duda, sería su intervención en la película Laura (1944) de Otto Preminger la que le catapultó hacia la fama. Un estrellato que se confirmaría en 1946 con su papel de Fred Derry en la tan memorable como oscarizada Los mejores años de nuestra vida de William Wyler.

Durante la guerra participó en algunos de los clásicos del género bélico ("The purple heart", "Alas y una plegaria" o "A walk in the sun"), buenos westerns y aventuras ("Tierra generosa", "Aguas profundas"), comedias con estilo ("La feria del Estado") o melodramas con toques de cine negro ("Ángel o diablo", "Daisy Kenyon", "El justiciero"), pasando luego al thriller con la guerra fría como tema de fondo ("El telón de acero")

En los años cincuenta, comenzaría con la excelente Al borde del peligro (1950), una intriga criminal dirigida por Otto Preminger. Pero el alcoholismo y la mala elección de los papeles hicieron que su carrera cayera en picado. De hecho, los problemas de alcohol de Andrews casi le cuestan la vida en dos accidentes de coche.

Con esta serie de escándalos, Andrews se vio forzado a realizar papeles secundarios en películas de serie B. De todas maneras, aún haría películas de indudable valor como Tres horas para vivir (1954, Alfred Werker), junto a Donna Reed; La senda de los elefantes (1954, William Dieterle) con Elizabeth Taylor; La pelirroja indómita (1955, Mervyn LeRoy), actuando con Greer Carson; Mientras Nueva York duerme (1956) de Fritz Lang, con Vincent Price y Rhonda Fleming, Más allá de la duda (1956, de Fritz Lang, junto a la inolvidable Joan Fontaine) o La noche del demonio (1958), una correcta película de terror del maestro Jacques Tourneur.

Durante los años sesenta, Andrews continuaría trabajando sin cesar en trabajos para televisión y películas cinematográficas de escasa categoría, aunque como secundario pudo acceder a superproducciones bélicas como estrella invitada: "Primera victoria" (1965) junto a Kirk Douglas y John Wayne; "La batalla de las ardenas" (1965), con Henry Fonda; o "La brigada del diablo" (1968) con William Holden y Cliff Robertson. De esta última etapa profesional destaca en su papel de presidente de colegio Tom Boswell en la serie de la NBC Bright Promise (1968-72).

En 1972, después de superar los problemas de adicción al alcohol, se convirtió en uno de los intérpretes cinematográficos más activos en el afán de convencer a la juventud de que se apartara del consumo excesivo de bebidas alcohólicas y fue uno de los primeros personajes famosos que hacía público su ingreso en la organización de los Alcohólicos Anónimos. Apareció, por último, en "De oriente a occidente para matar" junto a Stanley Baker y Geraldine Chaplin, "El último magnate" (1976) de Elia Kazan, y "Los valientes visten de negro" (1978) junto a Chuck Norris.

En lo que respecta a su vida privada, Dana Andrews se casó en dos ocasiones, la primera en 1932 con Janet Murray, de la que enviudó en 1935 y por último con la actriz Mary Todd en 1939, a la que dejó viuda en 1992.

En los últimos años de la vida de Andrews, se le diagnosticó la enfermedad del Alzheimer y en 1992 falleció a causa de una neumonía.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 6:42 pm     Responder citando

Joseph Cotten



Joseph Chesire Cotten (15 de mayo, 1905-6 de febrero, 1994), actor estadounidense, llegado al cine de la mano de Orson Welles, colaborando en películas como Ciudadano Kane o El tercer hombre, y dado a conocer al gran público por algunas de sus interpretaciones en películas de Alfred Hitchcock (La sombra de una duda y Atormentada).

Nació en Petersburg, Virginia, en el seno de una familia de la alta sociedad. Sus padres, Sally Bartlett y Joseph Cotten Sr. tuvieron otros 2 hijos, Whit y Sam, siendo Joseph el mayor de ellos. En 1931 se casó con su primera mujer, Leonore Kipp, una pianista, y su matrimonio duró hasta la muerte de ella en el año 1960. En el año 1960 se casó con Patricia Medina, y el matrimonio duró 34 años, hasta la muerte de él. Tras una larga lucha contra el cáncer, murió de neumonía en el año 1994.

Estudió interpretación en la Hickman School, en Washington D.C. Trabajó como crítico de cine para el Miami Herald, y se dedicó a la publicidad, a la radio y al teatro, teniendo lugar su debut en Broadway en el año 1930. Interpretó papeles principales en obras teatrales como Jezabel, Julio César, Historias de Filadelfia, (junto a Katharine Hepburn), y Sabrina Fair .

Fue en ese ambiente teatral donde conoció a Orson Welles, y con el cual fundó, en 1937, el Mercury Theatre.

Su debut en el cine fue en la primera producción de Orson Welles, Ciudadano Kane, en el papel de Jedediah Leland, en el año 1941. Debido a que la película se basaba en la vida real del magnate de la comunicación William Randolph Hearst, éste hizo todo lo posible para que no se distribuyera y la atacó sistemáticamente desde sus periódicos. Consiguió sabotear la película, que solo alcanzó una nominación a los Oscar. Sin embargo, es considerada una obra maestra y una de las mejores películas de la historia del cine, y fue decisiva para lanzar la carrera cinematográfica de Cotten y para darle el prestigio de gran actor que mantuvo durante toda su trayectoria. Para el reparto de la película Welles utilizó a varios actores de la compañía teatral Mercury Theatre, que fundó con Cotten. Su tercer papel en el cine, fue también en otra película de Orson Welles, El cuarto mandamiento, interpretando a Eugene Morgan, que le consolidó definitivamente en el mundo del cine. Sus últimas colaboraciones con Welles fueron en las producciones El tercer hombre, de Carol Reed, en el año 1949, aunque en este caso solo como compañeros de reparto, y en la película Sed de Mal, de Welles, en 1958, donde realiza un pequeño cameo. A pesar de no seguir colaborando juntos, siempre les unió una gran amistad.


Fue un actor muy versátil, y tras su gran éxito en Ciudadano Kane, colaboró en varias películas de Alfred Hitchcock. La primera de ellas fue La sombra de una duda, en 1943, junto a Teresa Wright, en la que interpretaba a un asesino en serie. La otra colaboración sería en la película Atormentada, de 1949, junto a Ingrid Bergman. Volvió a coincidir con Ingrid Bergman en la película de George Cukor Luz que agoniza, en 1944, como actor secundario. Este papel relanzó su carrera pese a que fue el único actor del reparto de la película que no estuvo nominado a ningún Globo de Oro ni a ningún Oscar de Hollywood.

Su trayectoria a lo largo de los años 1940 y los años 1950 fue muy fructífera, participando en un gran número de películas. Duelo al sol, con Jennifer Jones, en 1946 y Niágara, de Henry Hathaway, junto a Marilyn Monroe, en 1953, fueron dos de sus películas más conocidas.

En la década de los años 1960 y los años 1970, su carrera se tornó un tanto irregular, participando en películas como Canción de cuna para un cadáver de Robert Aldrich, con Bette Davis y Olivia de Havilland, pero también dedicándose a películas de serie B o a películas para televisión, con las excepciones de Aeropuerto 77 y Tora! Tora! Tora!.

A pesar de su extensa filmografía, y de haber participado en algunas de las películas más importantes de la historia del cine, nunca ganó ningún Oscar, de hecho ni siquiera llegó a estar nominado.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:02 pm     Responder citando

Robert Cummings

Robert Cummings y Helen Mack.

Robert Cummings (10 de junio de 1908 – 2 de diciembre de 1990), también conocido como Bob Cummings, fue un actor cinematográfico y televisivo estadounidense, conocido por su aspecto juvenil, incluso cuando ya era mayor.

Cummings trabajó principalmente en papeles cómicos, pero fue eficaz en los pocos dramas que rodó, especialmente en dos títulos de Alfred Hitchcock, Saboteur (Sabotaje) y Dial M for Murder (Crimen perfecto).

Cummings nació en Joplin, Missouri. Mientras se educaba en la Joplin High School, aprendió a volar gracias a su padrino, Orville Wright. Estudió en el Carnegie Institute of Technology en Pittsburg, Pennsylvania, y en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York. Tuvo una breve carrera teatral en Broadway con el nombre artístico de Blade Stanhope Conway, un supuesto inglés, antes de trasladarse a Hollywood, California, donde actuó en un principio con la personalidad ficticia de Bruce Hutchens, un rico tejano.

En los años treinta Cummings trabajó (ya con su verdadero nombre) bajo contrato y actuó en varios papeles menores. Consigió el estrellato en 1939 en Three Smart Girls Grow Up (Su última diablura) frente a Deanna Durbin. Entre sus mucha comedias se incluye: The Devil and Miss Jones (1941), con Jean Arthur, y The Bride Wore Boots (1946), junto a Barbara Stanwyck. Cummings tuvo actuaciones memorables en tres importantes dramas: Kings Row (1942), con su amigo Ronald Reagan; Saboteur (Sabotaje) (1942), junto a Priscilla Lane y Norman Lloyd; y Dial M for Murder (1954), con Grace Kelly y Ray Milland.

Cummings fue elegido por el productor John Wayne como coprotagonista con el papel del piloto Capitán Sullivan en The High and the Mighty, en parte debido a la experiencia de Cummings como piloto. Pero el director William A. Wellman desautorizó a Wayne y eligió a Robert Stack para el papel.

Cummings también trabajó en la serie radiofónica de la CBS Radio Those We Love. En el programa, que se radió de 1938 a 1945, Cummings interpretaba a David Adair, frente a Richard Cromwell, Francis X. Bushman y Nan Grey.

En 1952 inició una larga carrera televisiva con la comedia My Hero. Formó parte del reparto de la primera representación en TV de 12 Angry Men, una producción en directo emitida en 1955, en la que su interpretación del "Jurado Número Ocho" fue premiada con un Emmy. De 1955 a 1959, Cummings protagonizó el famoso programa The Bob Cummings Show, sustituido por The New Bob Cummings Show entre 1961 y 1962. También hizo una temporada de My Living Doll (1964), otra comedia de situación. Su último trabajo de relevancia fue en la película de 1973 para la TV Partners in Crime, junto a Lee Grant.

Durante la Segunda Guerra Mundial Cummings sirvió en la base de Oxnard, California, y posteriormente fue piloto de la Fuerza de Reserva de los Estados Unidos.

Se casó en cinco ocasiones y tuvo siete hijos. Sus esposas fueron: Emma Myers, con la que tuvo dos hijos; Vivi Janiss, con la que se casó en 1933, y de la que se divorció; Mary Elliott, con la que se casó en 1945 y se divorció en 1970, tras tener cinco hijos; Regina Fong, casada con él en 1971; y Jane Berzynsky, casada con él en 1989.

Fue un defensor de los alimentos naturales y de las dietas saludables, y escribió el libro Stay Young and Vital (1960) sobre los alimentos sanos y el ejercicio.

Cummings falleció a causa de un fallo renal en 1990, a los 82 años, y fue enterrado en el Gran Mausoleo del Cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:15 pm     Responder citando

Antonio Moreno




Antonio Garrido Monteagudo Moreno, Nació en Madrid el 26/Sep/1887. De muy niño quedó huérfano de padre que era militar y su infancia transcurre en Andalucía. Los motivos económicos y el deseo de apartarle de un amor temprano hacen que su madre acepte la propuesta de unos amigos para que emigre con ellos a USA.

En 1902, a los quince años, ya está en USA sin ningún interés por el mundo del espectáculo, se conformaba con aprender inglés, su atractivo físico y su simpatía le facilitaron las cosas, una viuda, Charlotte Morgan pagó sus estudios, trabaja en una compañía de gas y electricidad y en 1910 regresa a España de visita. A su regreso conoce a la actriz Helen Ware quien lo convence para probar fortuna en el teatro. Le ofrecen papeles secundarios, su acento español lo limita, pero obtiene buenos resultados y dos años más tarde debuta en papeles de reparto en el cine. En 1913 firma un contrato con Vitagraph y a partir de ese momento se convierte en el "latin lover" más cotizado del cine mudo. Durante este período compartirá pantalla con grandes estrellas de la época. En 1923 se casa con Daisy Canfield Danziger, una rica viuda, compran Crestmount , una lujosa vivienda, donde organizaron fiestas al mejor estilo hollywoodense y que llegaron a ser muy populares, Errol Flynn, Buster Keaton, Gilbert Roland, Mary Pickford, fueron asiduos a estas fiestas. Mientras tanto Antonio había firmado un contrato con la Paramount con la que protagonizaría 6 películas.

El punto álgido de su estrellato abarca de 1923 a 1928, la llegada del sonoro, a pesar de su buena voz, y el cambio de gustos significó el declive de la estrella pero se mantuvo en las "spanish versions" y posteriormente en el cine en español.

En 1933 el matrimonio se separa y poco después su esposa Dasy fallece en un controvertido accidente automovilístico.

En 1936 visita de nuevo España donde trabaja por única vez con el cine español en "María de la O" .

En 1967 falleció víctima de un ataque de aplopejía.

Antonio Moreno fue el primer español que triunfó en Hollywood, sólo comparable a otro Antonio, Antonio Banderas, muy posterior en el tiempo.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:23 pm     Responder citando

Jobyna Ralston



Jobyna Ralston (21 de noviembre de 1899 - 22 de enero de 1967) fue una notable actriz de la era del cine mudo. Muchos la consideran una de las más bellas actrices de la época.

Su verdadero nombre era Jobyna Lancaster Ralston, y nació en South Pittsburg, Tennessee, en 1899. Sus padres le dieron el nombre de una famosa actriz de la época, Jobyna Howland. La madre de Jobyna, fotógrafa, preparó cuidadosamente a su hija para que se dedicara al negocio del entretenimiento.

A los nueve años actuó por primera vez en un escenario con la obra Cenicienta, durante la inauguración del Wilson theatre/Opera House en 1909. Hacia 1915, Jobyna acudió a una escuela de interpretación en Nueva York. Posteriormente bailó en coros y cantó en producciones de Broadway, la primera de ellas Two Little Girls In Blue. Esta función supuso su debut en Broadway, a los 21 años. El comediante Max Linder la vio en escena y la persuadió para ir a Hollywood, donde Jobyna actuó en varios de sus filmes. También coprotagonizó la película Humor Risk, el corto, actualmente perdido, que supuso el debut cinematográfico de los Hermanos Marx. Pronto el director Hal Roach la hizo trabajar en sus comedias. Abandonó el teatro por la pantalla en 1922, cuando la salud de su madre empezó a declinar, ya que precisaba más dinero para afrontar las facturas médicas.

En 1923 fue nombrada por la industria cinematográfica como una de las WAMPAS Baby Stars. Este galardón se daba cada año a las estrellas femeninas del momento y a las más prometedoras. Ese mismo año trabajó con el cómico Harold Lloyd en Why Worry?, y en los siguientes cinco años actuó en seis de las películas de Lloyd, interpretando el papel femenino principal. Ralston dio profundidad emocional y talento cómico a esos títulos. Por estas interpretaciones y por su química en pantalla junto a Lloyd es por lo que hoy en día se la recuerda más.

Com actriz independiente, Jobyna trabajó con Richard Arlen en la primera película ganadora de un Oscar, Alas. En dicha película actuaban Clara Bow, Gary Cooper, y Buddy Rogers. Trabajaría en otras once películas, entre ellas Special Delivery (1927), junto a Eddie Cantor. Su carrera en el cine finalizó tras hacer dos películas sonoras, ya que ceceaba. Su primer título sonoro fue Rough Waters (1930), actuando con Rin Tin Tin.


Jobyna estuvo casada dos veces. La primera con John Campbell, pero el matrimonio no duró. En 1927 se casó con el actor Richard Arlen, a quien había conocido en el rodaje de Wings (Alas). Tuvieron un hijo, el actor Richard Arlen Jr. Ralston y Arlen se divorciaron en 1945. Los últimos cinco años de su vida sufrió reumatismo, y tuvo una serie de apoplejías. Falleció en 1967 a causa de una neumonía en el Motion Picture Country Home de Woodland Hills (Los Ángeles), California. Tenía 67 años de edad
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:27 pm     Responder citando

Béla Lugosi



Béla Lugosi fue el nombre artístico del actor Béla Ferenc Dezső Blaskó (20 de octubre de 1882 - 16 de agosto de 1956). Nació en Lugoj, Transilvania, región del Reino de Hungría que estaba anexionado al Austro-Húngara (hoy Lugoj, Rumania), siendo el más pequeño de los 4 hijos de un banquero.

Lugosi comenzó su carrera como actor en Europa, trabajando en distintas obras de Shakespeare. Sin embargo, se dio a conocer realmente con su papel de Conde Drácula en la adaptación cinematográfica de la clásica historia de vampiros de Bram Stoker llevada al cine por el director Tod Browning en 1931, papel que consiguió por su actuación en Broadway del mismo papel.

Durante la Primera Guerra Mundial participó como teniente de infantería y tras la contienda formó parte activa en la izquierda de su país y fundó el sindicato de actores. En 1917 contrajo matrimonio con Ilona Szmik de quien se separaría en 1920.

Tuvo que exiliarse debido a su actividad política primero a Alemania en 1919 y posteriormente abandonó Europa y se marchó a los Estados Unidos. Allí recibió el papel de su vida, el del Conde Drácula,que interpretó primero en los teatros de Broadway y en diversas giras y que posteriormente llevó a la pantalla de la mano de Tod Browning en Drácula (1931).

La película fue un éxito, pero Lugosi se encasilló en papeles de terror con películas como White Zombie (en España, La legión de los hombres sin alma)y Scared to Death. Rechazó interpretar al monstruo en Frankenstein pero realizó un buen trabajo interpretando al trastornado Ygor en dos secuelas, Son of Frankenstein y Ghost of Frankenstein antes de aceptar interpretar finalmente al monstruo en Frankenstein Meets the Wolf Man. Tuvo también un pequeño papel en la comedia clásica Ninotchka junto a Greta Garbo.

Muchos films, como The Black Cat y el anteriormente mencionado Son of Frankenstein equipararon a Lugosi con su mayor rival en el mundo del cine de terror, Boris Karloff. La actitud de Lugosi ante Karloff es tema de muchas y muy variadas opiniones entre los expertos e historiadores de cine. Muchos de ellos nos hablan de un Lugosi resentido por el éxito y la habilidad de Karloff de conseguir mejores papeles dentro de la escena del cine de terror, mientras que otras historias comentan que entre ambos actores -al menos durante un tiempo- existió una muy buena amistad.

Años más tarde, los papeles dejaron de llegarle y se volvió un adicto a la morfina, sustancia que comenzó a utilizar durante su estancia en el frente de guerra para apaciguar el dolor por la herida sufrida en su pierna. Recreó por última vez el papel de Drácula en la película Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein en 1948.

Ya casi al final de su vida, volvió de nuevo a aparecer en películas, aunque fuesen de pésima calidad. El, tras su muerte, histórico director Ed Wood, fue desde siempre un fan de Lugosi. Convencido el histriónico director de volver a recuperar al gran Lugosi, le ofreció numerosos papeles en sus películas, siempre interpretando alguna variante del clásico mad doctor (científico loco) o de Vampiro, incluso, en películas como Glen o Glenda en las que su papel no tenía sentido alguno. La película biográfica de Wood, (Ed Wood - 1994), dirigida por Tim Burton) refleja, entre otros aspectos, las relaciones del director con Lugosi, interpretado por Martin Landau. Como consecuencia de sus apariciones en películas de serie B, apareció en algunos episodios de la serie de televisión Mystery Science Theater 3000, especialmente en su film Bride of the Monster.

Uno de los papeles más infames de Lugosi fue el que interpretó en una película ya clásica que sería estrenada después de su muerte. Plan 9 from Outer Space de Ed Wood contenía metraje de Lugosi intercalado con escenas de un doble suyo que no se parecía para nada a él. Wood había tenido enormes dificultades para financiar el proyecto, y solo fue capaz de filmar escenas cortas y mudas que planeaba incorporar en el montaje final una vez hubiese encontrado el resto de su financiación. Sin embargo, Lugosi falleció tres años antes de que llegase la financiación total del proyecto (de la mano de la Iglesia Baptista de Beverly Hills, nada más y nada menos). Así que Wood contrató al quiropráctico de su esposa para doblar a Lugosi, al que podemos distinguir del auténtico Drácula por el hecho de que no se parece en nada a Lugosi y porque se cubre la cara con una capa en cada una de sus tomas.

Al contrario de lo que podemos ver en el Ed Wood de Tim Burton, Lugosi no recibió un trato de estrella en Plan 9. Sin embargo sí se le nombró como estrella invitada, debajo de Tor Johnson, Vampira y Kenne Duncan.

Falleció de un ataque al corazón a la edad de 73 años en Los Ángeles, California, mientras se encontraba sentado en una silla un 16 de agosto de 1956. La leyenda del terror nos abandonaba interpretando también en la muerte a su personaje más querido y que más satisfacciones le dio en vida, el Conde Drácula. Lugosi, como bien indicaba su testamento, fue incinerado llevando puesto su disfraz de vampiro, en el Holy Cross Cemetery de Culver City, California.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:32 pm     Responder citando

Lon Chaney



Lon Chaney (1 de abril de 1883 – 26 de agosto de 1930), apodado "El Hombre de las Mil Caras", fue un actor estadounidense durante la era del cine mudo. Considerado uno de los actores más versátiles de los comienzos del cine, es recordado principalmente por sus interpretaciones de personajes torturados, a menudo grotescos y afligidos, y por su habilidad para el maquillaje.

Lon Chaney nació con el nombre de Leonidas Frank Chaney en Colorado Springs, Colorado, hijo de Frank Chaney y Emma Alice Kennedy; su padre era de ascendencia principalmente inglesa con algún aporte francés, y su madre era descendiente de irlandeses. Ambos padres eran sordomudos por lo que Chaney aprendió desde niño a comunicarse por pantomima. En 1902 comenzó su carrera en los escenarios, viajando com actores populares del teatro y el vaudeville. En 1905 conoció y se casó con la cantante Cleva Creighton y en 1906 nació su primer y único hijo: Creighton Chaney (alias Lon Chaney Jr.). Los Chaney siguieron de gira hasta asentarse en California en 1910.

Desafortunadamente se produjeron problemas matrimoniales y, en abril de 1913, Cleva se dirigió al Teatro Majestic, ubicado en el centro de Los Ángeles, donde Lon estaba dirigiendo Kolb and Dill. Allí, ella trató de suicidarse ingiriendo bicloruro de mercurio. El intento de suicidio fracasó y arruinó su carrera como cantante; el escándalo y divorcio resultantes obligaron a Chaney a abandonar el ámbito teatral y dedicarse a las películas.

Se ignora el tiempo que pasó allí, pero entre los años 1912 y 1917, Chaney trabajó bajo contrato para Universal Studios realizando pequeños papeles. En esta época, Chaney se hizo amigo de la pareja de directores Joe De Grasse e Ida May Parke, quienes le dieron papeles más importantes en sus producciones.

Chaney también se hizo amigo de William Dudley Pelley, quien luego formaría la Legión de Plata, una organización nazi estadounidense. Mientras estuvo en Hollywood, Pelley escribió dieciséis guiones de los cuales Chaney protagonizó dos. Además, Chaney se casó con una antigua colega de la gira Kolb and Dill, una chica llamada Hazel Hastings que cantaba en el coro de la obra. Es poco lo que se sabe de Hazel excepto que su matrimonio con Chaney fue sólido. Luego de casarse, la flamante pareja obtuvo la custodia del hijo de Chaney que ya tenía diez años y había residido en varios hogares e internados tras el divorcio de Chaney en 1913.

Para 1917, Chaney era un actor importante dentro del estudio aunque su salario no reflejara su estatus. Cuando Chaney solicitó un aumento, el ejecutivo del estudio William Sistrom contestó: "jamás valdrás más que cien dólares a la semana".

Tras abandonar el estudio, Chaney luchó como actor durante todo su primer año. No fue sino hasta 1918, al realizar un papel considerable en la película Riddle Gawne de William S. Hart, que el talento de Chaney como actor fue realmente reconocido por la industria del cine.

En 1919, Chaney realizó una actuación importante como "la Rana" (un hombre que finge ser un lisiado que se cura milagrosamente) en El milagro (The Miracle Man) de George Loane Tucker. La película no sólo exhibió la habilidad actoral de Chaney sino también su talento como amo del maquillaje. El elogio de la crítica y una recaudación de más de 2 millones de dólares estadounidenses pusieron a Chaney en el mapa como el principal actor de carácter de Estados Unidos.

Chaney es recordado como pionero en películas mudas de terror como El jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame) y, en especial, por El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera). Su habilidad para transformarse mediante técnicas de maquillaje de su propia invención le ganaron el apodo de "El Hombre de las Mil Caras". En un artículo autobiográfico de 1925 publicado en la revista Movie, Chaney se refirió a su especialidad como "caracterización extrema".


También demostró su adaptabilidad con el maquillaje en películas más convencionales, de crimen y aventuras, como por ejemplo The Penalty, donde interpretó a un gángster sin piernas. Apareció en varias películas dirigidas por Tod Browning, a menudo interpretando a personajes disfrazados o mutilados, entre ellos el lanzador de cuchillos Alonzo el Sin Brazos en Garras humanas (The Unknown) con Joan Crawford. En 1927, Chaney actuó junto a Conrad Nagel, Marceline Day, Henry B. Walthall y Polly Moran en el clásico del terror La casa del horror (London After Midnight) de Tod Browning; esta película ahora se encuentra perdida y quizá sea la película perdida más famosa de la historia. Su última película fue un remake sonoro del clásico mudo El trío fantástico (The Unholy Three) (1930), su única película sonora y la única en que utilizó su voz tan versátil. Chaney firmó una declaración jurada donde establece que cinco de las voces principales en la película (el ventrílocuo, la anciana, el loro, el muñeco y la chica) son en realidad suyas.

Pese a que Chaney creó a dos de los personajes más grotescamente deformados de la historia del cine (Quasimodo, el campanero de Notre Dame, y Erik, el "fantasma" de la Ópera de París), sus representaciones buscaban una reacción de simpatía y tristeza entre la audiencia y no aterrarlos o hacerlos sentir rechazo hacia esos personajes desfigurados que tan sólo eran víctimas del destino.

"Quería recordarle al público que incluso quienes se encuentran más abajo en la escala de humanidad puden tener en su interior la capacidad de sacrificio", escribió Chaney en la revista Movie. "El pordiosero empequeñecido y deforme que vemos en las calles podría tener los más nobles ideales. La mayoría de mis papeles desde El jorobado de Notre Dame, como El Fantasma de la Ópera, He Who Gets Slapped, El trío fantástico, etc., han tenido incorporados el tema del sacrificio y la abnegación. Son estas historias las que quiero contar."

"Él fue una persona que reflejó nuestras psiques. Entró de algún modo a las sombras que existen dentro de nuestros cuerpos; pudo desenmascarar algunos de nuestros miedos íntimos y llevarlos a la pantalla", explicó el escritor Ray Bradbury en una ocasión. "La historia de Lon Chaney es la historia de amores no correspondidos. Él pone al descubierto esa parte de uno, porque uno teme que no lo amen, uno teme que nunca lo amen, uno teme que una parte suya sea grotesca, que el mundo le de la espalda."

Los talentos de Chaney se extendieron más allá del género del terror genre y el maquillaje artístico. También fue un bailarín, cantante y comediante muy hábil. De hecho, muchas personas que no conocían a Chaney se sorprendían por su deliciosa voz de barítono y su aguda capacidad para la comedia.

Chaney y su segunda esposa, Hazel, llevaron una vida privada discreta lejos del círculo social de Hollywood. Chaney promocionaba mínimamente sus películas y los estudios MGM, alimentando así su imagen de misterio.

Durante los últimos cinco años de su carrera (1925-1930), Chaney trabajó bajo contrato de exclusividad para MGM, realizando algunas de sus interpretaciones más memorables. Su papel como un duro instructor de la marina en Tell it To the Marines (1926), una de sus películas favoritas, le ganó el cariño del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, quienes lo nombraron el primer miembro honorario de la industria cinematográfica.

Chaney desarrolló una neumonía mientras filmaba Thunder en el invierno de 1929. A fines de ese mismo año se le diagnosticó cáncer de pulmón. Su condición fue empeorando poco a poco y murió de una hemorragia en la garganta siete semanas después del lanzamiento de una nueva versión de El trío fantástico. Su muerte afectó profundamente a su familia, a la industria del cine y a sus admiradores. Fue sepultado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery, en Glendale, California. Su lápida ha permanecido sin escritura alguna por razones que se desconocen.

En 1957, se estrenó una película titulada El Hombre de las Mil Caras (Man of a Thousand Faces) que relataba su vida. James Cagney interpretaba a Chaney.


Lon Chaney posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. En 1994, fue homenajeado cuando el caricaturista Al Hirschfeld utilizó su imagen para una estampilla del correo estadounidense.

El teatro del Auditorio Cívico de Colorado Springs fue bautizado con el nombre Lon Chaney.

Chaney construyó una impresionante cabaña de piedra como retiro en lo remoto del bosque que se encuentra en la parte oriental de las montañas de Sierra Nevada, cerca de Big Pine, California. La cabaña (diseñada por el arquitecto Paul Williams) es conservada por el Servicio Forestal Nacional Inyo.

El hijo de Chaney, Lon Chaney Jr., también es conocido por su participación en películas de terror, en especial por El Hombre lobo (The Wolf Man, 1941). Los Chaney aparecieron en las estampillas del correo de EEUU en sus papeles distintivos del Fantasma de la Ópera y el Hombre Lobo; el grupo se completa con Bela Lugosi como Drácula y Boris Karloff como el monstruo de Frankenstein y la Momia.

Padre e hijo son mencionados en la canción "Hombres Lobo de Londres" (Werewolves of London) de Warren Zevon.

Muchos de los colegas de Chaney lo tenían en gran estima ya que a menudo aconsejaba y ayudaba a los actores que recién empezaban sus carreras. También fue muy respetado por todas las personas con quienes trabajó.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:36 pm     Responder citando

Marceline Day



Marceline Day (24 de abril de 1908 - 16 de febrero de 2000) fue una actriz cinematográfica estadounidense cuya carrera inicio siendo niña en la década de 1910 y finalizó en los años treinta.

Su verdadero nombre era Marceline Newlin, y nació en Colorado Springs, Colorado. Creció en Salt Lake City, Utah, y era la hermana menor de la actriz Alice Day.

Marceline Day inició su carrera en el cine después de que su hermana Alice fuera elegida como una de las "Bathing Beauty (Bellezas en Bañador)" de Mack Sennett en comedias de una bobina (15 minutos de duración) y dos bobinas (20-25 minutos) rodadas para Keystone Studios. Day hizo su primera actuación junto a su hermana en la comedia de 1924 de Sennett Picking Peaches, antes de ser escogida para trabajar en una serie de cortos cómicos protagonizados por el actor Harry Langdon, además de un período en el que trabajó en algunos de los primeros western de Hollywood junto a estrellas cowboy del cine mudo tales como Hoot Gibson, Art Acord y Jack Hoxie. Gradualmente, Day fue actuando en papeles más dramáticos al lado de actores de la talla de Lionel Barrymore, John Barrymore, Norman Kerry, Ramón Novarro, Buster Keaton, y Lon Chaney.

En 1926, Marceline Day fue nombrada una de las trece WAMPAS Baby Stars, una campaña promocional patrocinada por la Western Association of Motion Picture Advertisers de los Estados Unidos, con la cual se premiaba anualmente a trece jóvenes prometedoras actrices. Otras de las galardonadas ese año fueron Joan Crawford, Mary Astor, Janet Gaynor y Dolores del Río. La publicidad de la campaña le dio aún más popularidad a Day, y en 1927 actuó con John Barrymore en la aventura romántica The Beloved Rogue.

Marceline Day es probablemente mejor recordada por su actuación en el ahora perdido título clásico de horror dirigido por Tod Browning London After Midnight (La casa del horror) (1927), con Lon Chaney y Conrad Nagel, por su papel de Sally Richards en la comedia de 1928 The Cameraman, junto a Buster Keaton, y por el drama de 1929 The Jazz Age, con Douglas Fairbanks. A finales de los años veinte, la carrera de Day había eclipsado a la de su hermana Alice, que ya era una actriz bastante popular. Las dos actuarían juntas de nuevo en el musical de 1929 The Show of Shows (Arriba el telón).

Aunque la transición al cine sonoro de Day no fue problemática, el número de papeles que hizo disminuyó gradualmente tanto en número como en calidad, por lo que acabó trabajando en películas de bajo coste. En 1933 Marceline Day volvió a trabajar en el género western, en películas de serie "B" junto a actores como Tim McCoy, Hoot Gibson, Ken Maynard, Jack Hoxie, y John Wayne. Su última película fue The Fighting Parson, con Hoot Gibson.

Marceline Day estuvo casada con el productor del cine mudo Arthur J. Klein. Tras divorciarse de él, se casó con John Arthur. No tuvo hijos, y falleció por causas naturales e Cathedral City, California, a los 91 años de edad. Fue incinerada, y las cenizas entregadas a su familia
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claudia
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 7:36 pm     Responder citando

Leyla, está muy bueno, hay muchos que no conocía, otros sólo de nombre y es bueno verles las caras.
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Vilma Bánky



Vilma Bánky (9 de enero de 1898 – 18 de marzo de 1991), fue una actriz estadounidense, nacida en Hungría, y que destacó en el cine mudo, iniciando su carrera en Budapest, y continuándola en Francia, Austria y Alemania.

Su verdadero nombre era Vilma Konsics Bánky, y sus padres fueron Johann Konsics Bánky y Katalin Ulbert. Nació en Nagydorog, Imperio Austrohúngaro, y empezó a trabajar en el cine en 1919, siendo su primera aparición en el film Im Letzten Augenblick, dirigido por Carl Boese en Alemania. En un viaje a Budapest en 1925, el productor de Hollywood Samuel Goldwyn descubrió a la belleza rubia de ojos violeta y firmó un contrato. Poco después se trasladó a América.
Fue llamada "La Rapsodia Húngara" y conectó inmediatamente con el público americano. Tuvo como oponentes cinematográficos a grandes del cine mudo tales como Rodolfo Valentino en El Águila Negra (1925) y El hijo del caíd (1926) y Ronald Colman en una serie de fantásticas historias de amor, incluyendo The Dark Angel y The Winning of Barbara Worth. Valentino y Bánky fueron íntimos amigos y, a pesar de los rumores, no hubo entre ellos más que amistad. Bánky vio la necesidad de tener buenas amistades en Hollywood, y entre ellas estuvieron Victor Varconi, Gloria Swanson, Lya de Putti, Lily Damita, y Leatrice Joy.

Se ha dicho que su fuerte acento húngaro fue la causa de su corta carrera una vez llegado el cine sonoro, pero lo cierto es que en esa época fue perdiendo su interés por el cine y se centró en la vida familiar con su marido y, de hecho, en 1928 ya había anunciado su intención de retirarse. De sus 24 películas, siete se conservan en su totalidad. De otras tres solo se conservan fragmentos (Tavaszi Szerelem en pedazos dispersos, los cinco primeros rollos de The Magic Flame y una copia incompleta de Two Lovers).

Se casó con el actor Rod La Rocque el 26 de junio de 1927, durando el matrimonio hasta el fallecimiento de él el 15 de octubre de 1969. No tuvieron hijos.

Con su marido creó una fundación educativa para la infancia llamada "The Banky - La Rocque Foundation".

Bánky falleció el 18 de marzo de 1991 por un fallo cardiopulmonar. Sus cenizas se dispersaron en el mar.
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 9:59 pm     Responder citando

Theda Bara



Theodosia Burr Goodman (29 de julio de 1885 en Cincinnati, Ohio - 7 de abril de 1955 en Los Ángeles, California), actriz estadounidense.

Theodosia Burr Goodman nació a mediados de la década de 1880 en una familia de clase media baja de inmigrantes que vivían en el barrio judío de Avondale, en Cincinnati. Bernard Goodman (1853-?), el padre, era un comerciante judío procedente de Polonia, y su madre, Pauline DeCoppett (1861-?), una suiza. Tenía dos hermanas (una de ellas, Lori, en realidad llamada Esther, llegó a hacer pequeños guiones en algunas películas).

Desde joven, Theo mostró una gran inclinación a las artes escénicas, hasta el punto que, tras acabar sus estudios decidió encontrar trabajo en el mundo del espectáculo tras teñirse el pelo, originariamente rubio, de negro. No tuvo demasiado éxito al principio, encasillándose a principios de siglo en pequeñas obras de teatro ambulantes. Una vez en Los Angeles, en 1914, comenzó a trabajar como extra (la primera película fue The Stain, estrenada en 1915) hasta que llegó su gran oportunidad.

Ésta llevaba el nombre de A fool there was y estaba dirigida por Frank Powell. Aunque Theda ya estaba considerada como vieja para protagonizar un papel (tenía treinta años, en una época en la que no se concebía una protagonista mayor de veinticinco), su especial personalidad hizo que los productores se fijasen en ella y la "creasen" : Theo se convirtió en la primera estrella prefabricada por unos estudios cinematográficos, que explotaron su imagen de vamp y le cambiaron el nombre a Theda Bara, anagrama de Arab Death (muerte árabe). Para el gran público, Theda había nacido en 1890 hija de una concubina egipcia y su amante, un artista francés, en pleno Sahara, e incluso conocía misteriosos rituales mágicos orientales. Fue todo un éxito.

1915 dio lugar a seis películas más protagonizadas por Theda, que culminó el año con una de sus obras más famosas, Carmen, pero, sin duda, la película que la catapultaría a la fama absoluta sería Cleopatra de J. Gordon Edward en 1917, una de las primeras adaptaciones de la vida de la reina de Egipto.

En 1919, tras finalizar el rodaje de The lure of ambition, Theda fue despedida por la productora que la había creado, la Fox. La moda de las vamps había finalizado para dar paso a las alegres flappers. Dos años después, en 1921, y tras su matrimonio con Charles Brabin, Theda se retiró, aunque colaboró en el rodaje de Madame Mystery en 1926, poniendo entonces el punto y final definitivo a su carrera, que se hizo efectivo cuando, en la década de 1930, fracasaron todos sus intentos para volver al teatro y, en la de 1950, de crear una biopic con su vida. La razón de su retiro fue que Brabin no deseaba que ella actuase; en efecto, todas sus colaboraciones en películas desde su matrimonio las hizo sin el consentimiento de su esposo, mientras éste se hallaba en el extranjero.

A la edad de 69 años, Theodosia falleció en un hospital de Los Angeles a causa de un cáncer abdominal
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MensajePublicado: 30 Apr 2008 10:13 pm     Responder citando

Roscoe Arbuckle




Roscoe Conkling Arbuckle, más conocido como Fatty Arbuckle (24 de marzo de 1887-29 de junio de 1933) fue un actor cómico estadounidense del cine mudo. Adoptó el apodo de Fatty, "Gordito" en inglés, a pesar de que dicho apodo sólo lo usó profesionalmente, ya que lo detestaba. Arbuckle fue uno de los actores más populares de su época, pero hoy es más conocido por "El escándalo Fatty Arbuckle": fue acusado de violar y provocar la muerte a una actriz, y sus juicios se convirtieron en unos de los primeros "juicios-espectáculo" de Hollywood.

Nacido en Smith Center, California, hijo de Mollie y William Goodrich Arbuckle, ya acumulaba varios años de experiencia en el Vodevil, incluyendo trabajos en el Idora Park de Oakland, California, cuando empezó su carrera cinematográfica con la compañía Selig Polyscope. Allí adquirió el sobrenombre de Fatty (Gordito), a causa de su gordura.

Apareció esporádicamente en cortos de un rollo de Selig hasta 1913, y, después de una breve estancia en Universal, se convertiría en una de las estrellas de los Keystones Kops, del director-productor Mack Sennett.

Con el impulso de Sennet, Arbuckle alcanzó el estrellato con la serie serie de comedias Fatty and Mabel, donde hacía pareja con Mabel Normand, esposa de Sennett. En 1916 Arbuckle era una estrella tan conocida como Charles Chaplin, y la Paramount le ofreció el control total de sus películas, además de crear la Comique Film Corporation exclusivamente para él, acontecimiento único en la industria de la época.

El 6 de agosto de 1908 se casó con Araminta Estelle Durfee (1889-1975), hija de Charles Warren Durfee y Flora Adkins. Durfee interpretó el papel de esposa autoritaria en muchas de las primeras comedias, a menudo en compañía de Arbuckle.

A pesar de su gordura, Arbuckle era sorprendentemente ágil y gozaba de un gran dominio de su físico. Sus comedias son conocidas por su rapidez y dinamismo, llenas de escenas de persecuciones y muchos gags visuales. Arbuckle estaba particularmente encariñado con el momento llamado pastel en la cara, un cliché de la historia de la comedia muda.

Según la leyenda, Arbuckle creó este gag después de un encuentro con el ejército de Pancho Villa en Río Grande, durante una actuación en El Paso, Texas. La historia cuenta que los Arbuckle estaban haciendo un picnic cerca del río cuando ellos y los hombres de Villa, que estaban en la otra orilla, empezaron a arrojarse frutas a uno y otro lado del río. El momento estelar fue cuando Arbuckle derribó a uno de los hombres de su caballo arrojándole un manojo de plátanos, cosa que hizo que a Villa le entrara un ataque de risa.

Arbuckle proporcionó a Buster Keaton su primer papel en la industria del cine, con el corto de 1917, The Butcher Boy. Ambos cómicos forjaron una estrecha amistad, que no flaqueó cuando Arbuckle fue duramente golpeado por la tragedia, y la subsiguiente depresión y decadencia que vendría después. En su autobiografía, Keaton describió a Arbuckle como un hombre de naturaleza bromista, y artífice, junto al propio Keaton, de elaborados gags y esquemas cómicos que pusieron al servicio de figuras de la comedia del cine sonoro (que significó la casi desaparición de ambos cómicos como estrellas de cine).

En la cima de su carrera, Arbuckle cobraba en los estudios Paramount un millón de dólares al año, el mayor sueldo jamás pagado por un estudio. El 3 de setiembre de 1921, Arbuckle se tomó un descanso de su prolífica y vertiginosa producción fílmica, y se desplazó hasta San Francisco con sus amigos Lowell Sherman y Fred Fischbach. Se registraron en el hotel Saint Francis, dispuestos a dar una fiesta, para la cual invitaron a varias mujeres a su habitación. Durante el evento, una de ellas, una aspirante a actriz, de 26 años, llamada Virginia Rappe, cayó gravemente enferma y fue examinada por el doctor del hotel, que dictaminó que, probablemente, la mujer simplemente estaba intoxicada.

Rappe murió tres días más tarde de peritonitis . Maude Delmont, amiga y compañera de Rappe en la fiesta, implicó a Arbuckle en el suceso. Arbuckle, seguro de su inocencia, rechazó tales acusaciones. Entonces Delmont lo denunció a la policía con la esperanza de llegar a un acuerdo monetario con los abogados de Arbuckle, pero el asunto se le fue de las manos.

La carrera de Arbuckle está considerada por historiadores del cine como una de las grandes tragedias de Hollywood. El juicio se convirtió en un acontecimiento nacional y ocupaba las portadas de los periódicos, especialmente de los pertenecientes al imperio de William Randolph Hearst, que no dudaban en presentar en sus crónicas al actor como culpable, haciendo juicios anticipados y predisponiendo a mucha gente a prejuzgar a Arbuckle. Después de dos juicios nulos, el 12 de abril de 1922 Arbuckle fue declarado no culpable de la muerte de Virginia Rappe.

A pesar de que Arbuckle fue absuelto de las acusaciones, la infamia resultante destruyó la carrera y la vida personal del artista. Diversas asociaciones de vigilancia de la moral habían pedido la pena de muerte para el actor, y los dueños de los estudios prohibieron a los amigos de Arbuckle en la industria cualquier muestra de apoyo público. Charles Chaplin estaba en Inglaterra por entonces; sin embargo, Buster Keaton, íntimo amigo de Arbuckle, hizo una declaración pública en apoyo de su amigo, resaltando que Arbuckle era una de las almas más amables y bondadosas que había conocido.

La Oficina Hays, organismo que controlaba y/o censuraba toda la producción cinematográfica, retiró y prohibió todas las películas de Arbuckle, aunque más tarde Will H.Hays declaró que deberían dejar al actor continuar trabajando en Hollywood. Irónicamente, una de las escasas películas que sobrevivieron a la prohibición, Leap Year, era uno de los dos únicos largometrajes acabados que la Paramount pensaba estrenar cuando se produjo el escándalo. Mientras que, en Europa, Arbuckle fue progresivamente rehabilitado tras su absolución, nunca lo fue en vida en Estados Unidos ni en Inglaterra.

Muchas de las películas de Arbuckle, incluyendo Life of the Party, solo sobreviven como meras impresiones con intertítulos en idiomas foráneos (no inglés). A pesar de que Life of the Party fue estrenada antes del escándalo, nadie se molestó en conservar las copias originales en lengua inglesa.

Recientemente, algunos de sus primeros cortometrajes (especialmente aquellos en los que aparecía junto a Charles Chaplin o Buster Keaton) han sido restaurados y estrenados en DVD.

Muchos detalles se comentaron durante los tres largos juicios a los que fue sometido Arbuckle, pero los más escabrosos fueron obra directa de los medios sensacionalistas, y, especialmente, de un hombre, William Randolph Hearst, que había encontrado una auténtica mina de oro con el escándalo del que era el más famoso actor cómico de su época.

Las historias (nunca comprobadas) sobre lo que pasó en las habitaciones 1219, 1220 y 1221 del Hotel Saint Francis, de San Francisco, el 5 de setiembre de 1921, hablaban de que Arbuckle, con sus más de 120 kilos de peso, había fracturado en dos a Virginia Rappe.

Según consta en las actas del juicio, Arbuckle llevó hasta su habitación del hotel un tocadiscos, varios discos, y abunante ginebra y whisky, desacatando directamente el Acta Volstead, que prohibía la producción y venta de bebidas alcohólicas. Después de 48 horas de fiesta, la joven Virginia Rappe se incorporó al evento, donde fue recibida por Arbuckle en pijama (lo que provocó las acusaciones de que el actor caminaba semidesnudo por los pasillos del hotel). Virginia empezó a ingerir grandes cantidades de alcohol, hasta que tuvo que ir al lavabo para vomitar, donde la encontró Arbuckle, encerrándose con ella durante quince minutos, tiempo suficiente, según la acusación, para cometer la violación.

Según los médicos que la examinaron poco después, los daños en la vejiga de Virginia Rappe podían haber sido consecuencia de un aborto practicado poco antes (algo que se obvió en los juicios), y agravados como consecuencia de la gran cantidad de alcohol ingerido mezclado con medicamentos. Fred Fischbach llenó una tina con agua fría, donde fue colocada la mujer en un intento por reanimarla.

Durante los juicios se presentó una versión totalmente idealizada de Virginia Rappe. Su oscuro pasado presentaba de tres a cinco abortos anteriores, prostitución, o de provocar una sífilis colectiva en los estudios de Mack Sennet. Pero todas estas historias entraban en la categoría de la rumorología, y de poco sirvieron en los tribunales.

El 27 de enero de 1925 Arbuckle se divorció, en París, de Araminta Estelle Durfee, tras las alegaciones de ella de abandono y deserción. El 16 de mayo de 1925 Arbuckle contraería matrimonio con Doris Deane.

Arbuckle intentó volver a la realización de películas, pero la prohibición inmediata de todas sus películas tras su absolución no se lo permitió, y cayó en el alcoholismo. En palabras de su primera mujer: Roscoe solo pareció encontrar consuelo en el fondo de una botella.

Buster Keaton intentó ayudar a Arbuckle permitiéndole trabajar en algunas de sus películas, llegando a escribir el guión del cortometraje de Keaton Day Dreams. Arbuckle alegó haber codirigido algunas escenas de la película de Keaton El moderno Sherlock Holmes, pero es difícil saber cuánto de ese material llegó al montaje final de la película. Arbuckle también dirigió algunos de los cortometrajes menos conocidos de Educational Pictures, bajo el seudónino de William Goodrich.

Una leyenda, nunca confirmada pero persistente, da una explicación inexacta del origen del seudónimo de Arbuckle. Según se dice, Keaton, bromista empedernido, sugirió que Arbuckle podría dirigir películas bajo el alias Will B. Good (literalmente "seré bueno"). Supuestamente, Arbuckle estuvo de acuerdo con él, pero reconociendo que el juego de palabras era demasiado obvio, y amplió el nombre para convertirlo en William B. Goodrich. Sin embargo, Arbuckle dirigió docenas de películas en las que su seudónimo aparecía en los créditos iniciales como William Goodrich, sin ninguna inicial entre el nombre y el apellido. El escritor e investigador británico David Yallop descubrió que el nombre completo del padre de Arbuckle era William Goodrich Arbuckle, con lo que dio una explicación mucho más razonable y plausible sobre el origen del seudónimo.

En 1929 Doris Deane solicitó el divorcio, en Los Ángeles, alegando abandono y crueldad. El 21 de junio de 1931 Arbuckle se volvería a casar con Addie Oakley Dukes McPhail, más tarde Addie Oakley Sheldon (1906-2003), en Erie, Pennsylvania. Poco antes de su matrimonio Arbuckle firmó un contrato con Jack Warner para protagonizar seis cortometrajes cómicos de dos rollos para Vitaphone, usando su nombre real. El 28 de junio de 1933, tras acabar la filmación del último de estos cortos, fue contratado por Warner Brothers para la realización de un largometraje; unas horas después, Arbuckle fallecería.

Los seis cortometrajes de Vitaphone, rodados en Brooklyn, constituyen los únicos registros grabados de la voz del cómico. Los actores Al St. John (sobrino de Arbuckle), Lionel Stander y Shemp Howard, aparecieron con Arbuckle en algunos de estos cortos. Cuando la Warner Brothers intentó reestrenar el primero de ellos, Hey, Pop!, en Inglaterra, la academia británica, citando el escándalo ocurrido una década antes con Arbuckle, no lo permitió.


Roscoe Arbuckle murió de un ataque al corazón el 29 de junio de 1933, en Hollywood. Solo tenía 46 años. Buster Keaton declaró repetidas veces que Arbuckle había muerto porque le habían roto el corazón. Pocas horas antes había firmado un nuevo contrato con Warner, que le hizo declarar: Hoy es el día más feliz de mi vida. Fue incinerado y sus cenizas dispersadas en el Océano Pacífico (la supuesta tumba de Arbuckle, sita en el Cementerio Woodlawn, en el Bronx, Nueva York, pertenece a Macklin Arbuckle, actor y primo de Roscoe Arbuckle).
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MensajePublicado: 01 May 2008 1:23 pm     Responder citando

Charley Chase


Charles Chaplin, Mabel Normand y Charley Chase


Charley Chase (Baltimore, Maryland, 20 de octubre de 1893 - Hollywood, California, 20 de junio de 1940), actor, guionista y director del cine mudo y sonoro, de origen estadounidense.

Su nombre de nacimiento era Charles Joseph Parrott (hijo), y comenzó su carrera cinematográfica en 1912, para pasar a la Keystone poco después. Allí hizo su aparición en varias películas de Mack Sennett y de Charles Chaplin.

Comenzó a trabajar como director en 1920 en los estudios de Hal Roach, dirigiendo varias películas de la serie Our Gang (conocida en español como La pandilla), la cual era totalmente protagonizada por actores infantiles.

Poco después, Charley Chase pasó del otro lado de la cámara, protagonizando con este nombre una serie de varios cortometrajes que fueron dirigidos por Leo McCarey, con quien de hecho formó un equipo de trabajo. El personaje de Chase, un joven estadounidense medio básicamente inteligente pero que se metía en los enredos más insospechados, practicaba un humor que oscilaba entre la comedia y el slapstick o humor de golpe y porrazo. Algunos de ellos, como Mighty Like a Moose (1926), Fluttering Hearts (1927), y Limousine Love (1928) son ejemplos de su comicidad.

En 1929 Charley Chase pasó al cine sonoro, y a diferencia de otros cómicos o actores de su época, sorteó adecuadamente el paso, ya que su voz y su comicidad se adaptaron al cambio. En 1933, hizo una de sus apariciones estelares en la película Hijos del Desierto (Sons of the Desert) de Laurel y Hardy, pero poco después, en 1936, abandonaba los estudios de Hal Roach.

Pasó entonces a trabajar en la Columbia Pictures, donde protagonizó alguno de los cortos de dos rollos que esta empresa producía y donde actuaron cómicos como Buster Keaton, Harry Langdon y Los Tres Chiflados, a quienes incluso también dirigió.

Su vida desordenada y su alcoholismo, sin embargo, fueron minando su salud, falleciendo poco después, en junio de 1940.

En el Paseo de la Fama de Hollywood lo recuerda hoy una estrella colocada frente al 6630 del Hollywood Boulevard. Hoy la obra de Charley Chase ha conocido una extraordinaria revalorización, que lo ha llegado a proponer, con bastante acierto, como uno de los grandes cómicos estadounidenses de la época dorada de la comedia cinematográfica.

Charley Chase apareció en los créditos de sus películas y en las de otros de varias formas: con su nombre de nacimiento, Charles Parrott, y con variantes de su seudónimo, como Charles Chase, Charley Chan Chase y Charlie Chase.

En el mundo hispanoparlante, Charley Chase fue conocido bajo el nombre de Adriano en la década de 1920.
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MensajePublicado: 01 May 2008 1:34 pm     Responder citando

ZaSu Pitts


Mae West, Garbo y Zasu alrededor de 1930

ZaSu Pitts (3 de enero de 1894 - 7 de junio de 1963) fue una actriz estadounidense. En muchos de los créditos de las películas en las que participó y artículos contemporáneos, su nombre aparece como Zazu Pitts.

ZaSu Pitts nació en Parsons, Kansas y creció en Santa Cruz, California. Su inusual nombre viene de la unión de los nombres de dos familiares suyas, "Eliza" y "Susan".

Pitts estuvo casada con el actor Tom Gallery desde 1920 hasta 1932. Tuvieron dos hijos: una niña, Ann Gallery, y un niño, Don Gallery (nacido Marvin Carville La Marr), que fue adoptado en 1926 a la muerte de su madre, la actriz de cine mudo Barbara La Marr.

Pitts debutó en el cine mudo en 1917, en varios papeles, incluyendo el de Becky en The Little Princess. Quizás su papel más famoso fue en Greed (1925), de Erich von Stroheim. Por su actuación en esa película, von Stroheim la calificó como "su actriz dramática más grande". Von Stroheim la contrató también para The Wedding March (con Fay Wray), Walking Down Broadway, No, No, Nanette (1940 ), y Nurse Edith Cavell. Su último trabajo, poco antes de su muerte, fue como actriz de voz en la comedia, It's a Mad Mad Mad Mad World.

Cuando Mae Questel fue invitado a crear la voz en pantalla para el personaje de "Olivia Oyl" en la versión animada de la historieta de Fleischer "Popeye", Questel se inspiró en la voz de ZaSu Pitts.

Entre las décadas de 1940 y 1960, ZaSu Pitts hizo numerosas apariciones en televisión, incluyendo su trabajo en Oh! Susanna (1956-1960), con Gale Storm como su sobrina.

ZaSu Pitts murió de cáncer en Hollywood, California a la edad de 69 años. Fue enterrada en el Holy Cross Cemetery de Culver City, California.

Posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1994, la honraron incluyendo su imagen en un sello de Estados Unidos diseñado por el caricaturista Al Hirschfeld.
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Laura La Plante



Laura La Plante (1 de noviembre de 1904; 14 de octubre de 1996) fue una actriz estadounidense que cosechó sus mayores éxitos trabajando en el cine mudo.

Su verdadero nombre era Laura La Plant, y nació en San Luis (Missouri). La Plante debutó en la interpretación a los 15 años de edad, y en 1923 fue nombrada como una de las WAMPAS Baby Stars. A lo largo de los años veinte actuó en más de sesenta películas. Entre sus primeras interpretaciones destacan Big Town Round-Up (1921), con la estrella cowboy Tom Mix, el serial Perils of
the Yukon (1922) y Around the World in 18 Days (1923).

La mayoría de sus filmes (de 1921 a 1931) fueron rodados para Universal Pictures. Durante este periodo fue la estrella más popular del estudio, "un logro únicamente conseguido por Deanna Durbin años más tarde." Su película más recordada es probablemente el clásico mudo The Cat and the Canary (El legado tenebroso) (1927), aunque también consiguió alabanzas por Skinner's Dress Suit (1926), con Reginald Denny, la parcialmente hablada The Love Trap (La trampa amorosa) (1929), dirigida por William Wyler, y la versión parcialmente sonora de Show Boat (Show Boat – Teatro flotante) (1929), adaptada de la novela del mismo nombre por Edna Ferber. Aunque esta última película fue una adaptación de la novela, y no del famoso musical en el que estaba basada, se incluyeron algunas canciones del mismo a fin de atraer más público. La Plante, sin embargo, realmente no cantó en la película; sus canciones fueron dobladas por Eva Olivetti, siendo ésta una de las primeras ocasiones en que se llevó a cabo un doblaje de este tipo en el cine. Bastante inusual en su momento, una escena de La Plante en Show Boat fue transmitida en la primitiva televisión británica.

Su película más recordada es probablemente el clásico mudo The Cat and the Canary (El legado tenebroso) (1927), aunque también consiguió alabanzas por Skinner's Dress Suit (1926), con Reginald Denny, la parcialmente hablada The Love Trap (La trampa amorosa) (1929), dirigida por William Wyler, y la versión parcialmente sonora de Show Boat (Show Boat – Teatro flotante) (1929), adaptada de la novela del mismo nombre por Edna Ferber. Aunque esta última película fue una adaptación de la novela, y no del famoso musical en el que estaba basada, se incluyeron algunas canciones del mismo a fin de atraer más público. La Plante, sin embargo, realmente no cantó en la película; sus canciones fueron dobladas por Eva Olivetti, siendo ésta una de las primeras ocasiones en que se llevó a cabo un doblaje de este tipo en el cine. Bastante inusual en su momento, una escena de La Plante en Show Boat fue transmitida en la primitiva televisión británica.

La llegada del cine sonoro acortó su carrera. Sin haber cumplido todavía los treinta años, La Plante demostró bastante naturalidad y una atractiva presencia en los primeros títulos hablados pero la gran cantidad de nuevas estrellas en aquellos años la eclipsó. Su última actuación para la Universal fue en el extravagante musical en Technicolor King of Jazz (El rey de jazz) (1930). Durante un tiempo fue una actriz independiente, trabajando en The Matrimonial Bed (Warner Bros., 1931), dirigida por Michael Curtiz, junto a Frank Fay, y Arizona (Columbia Pictures, 1931), con un joven John Wayne.

La Plante posteriormente fue a Inglaterra, donde actuó en varias películas, incluyendo Man of the Moment (1934), con Douglas Fairbanks, Jr.. Se pensó en La Plante para reemplazar a Myrna Loy en la serie de filmes The Thin Man (La cena de los acusados), al considerar Loy la posibilidad de abandonar la serie. Finalmente Loy continuó en la misma con el papel de "Nora Charles" [cita requerida], y la carrera de La Plante ya no se recuperó.

Se retiró de la pantalla en 1934, actuando solamente en dos filmes posteriores, siendo Spring Reunion (1957) el último. Su hermana, la actriz Violet La Plante, nunca consiguió la fama de Laura pero, al igual que ella, fue nombrada "WAMPAS Baby Star", aunque su título lo obtuvo en 1925. A mediados de los años cincuenta, Laura La Plante intervino como invitada (y como ella misma) en el programa de Groucho Marx You Bet Your Life.

Estuvo casada con el cineasta William A. Seiter, desde 1926 hasta 1934, año en que se divorciaron. Ese mismo año se casó con el también cineasta Irving Asher. Permanecieron casados hasta el fallecimiento de él en 1985. Tuvieron dos hijos. La Plante falleció en Woodland Hills (Los Ángeles), California, a causa de una enfermedad de Alzheimer, a los 91 años de edad.
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