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MONARQUÍA y TRADICIÓN


ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

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leyla
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MensajePublicado: 16 Apr 2008 6:40 pm     Responder citando

Leslie Caron



Leslie Caron es una actriz y bailarina franco-estadounidense nominada a los Oscar, ganadora de un Globo de Oro y un Emmy. Caron dijo de sí misma: "No soy una bailarina. Me defiendo."
Leslie Claire Margaret Caron nació en Boulogne-Billancourt, Francia, hija del químico Claude Caron, y la bailarina nortemaericana Margaret Petit. Caron se preparó para su futura carrera de bien pequeña gracias a la ayuda de su madre.

Caron fue descubierta por Gene Kelly mientras bailaba con un ballet. El afamado bailarín la escogió para ser su pareja en en el clásico Un americano en París (1951). El éxito de Caron fue tan elocuente que firmó un contrato de larga duración con MGM, cosa que le permitió aparecer en otros títulos como La zapatillas de cristal (1955) o Lili (1953). Precisamente por esta actuación, le permitió a Caron conseguir la primera nominación a los Oscars en 1953. En la segunda parte de los 50, aparecería en títulos tan inolvidables como Papá piernas largas (1955) con Fred Astaire o Gigi (1958) con Louis Jourdan y Maurice Chevalier.

Como quiera que los musicales empezaban a entrar en un lento declive a principios de los 60, Caron dio un giro a su carrera con la interpetación de un preñada esperando a abortar en La habitación en forma de L (1962), un papel que le llevó a ser nominada a los Oscar en la categoría mejor actriz principal y ganar esa misma categoría en los Premios BAFTA.

Sus otras apariciones en los últimos años incluyen Operación whisky (1964) junto a Cary Grant, la obra de Ken Russell sobre Valentino (1977), sobre el mítico actor Rodolfo Valentino y donde Caron hace el papel de Alla Nazimova o la obra de Louis Malle Herida (1992). También hay que destacar su participación en el aclamado film de Lasse Hallström Chocolat (2000) o más recientemente Le Divorce (2003) de James Ivory junto a Kate Hudson y Naomi Watts.

Caron se casó con Geordie Hormel, nieto del fundador de la empresa alimenticia Hormel en septiembre de 1951. Se divorciaría en 1954.

Su segundo marido sería el actor y director británico Peter Hall con el que tendría dos hijos, Christopher (productor de televisión) en 1957 y Jennifer (actriz) en 1962. Cuando se divorciaron en 1965, se culpó a Warren Beatty de ser el responsable y se le ordenó por la justicia británica a pagar los costes del caso. Caron tuvo un romance con Beatty (1961).

En 1969, se casaría con el productor Michael Laughlin con el que estaría unida hasta 1980.

A estos, hay que añadirles los diferentes novios que tuvo Caron como Peter Lawford, Frank Sinatra, el guionista Jean-Pierre Petrolacci o Robert Wolders (ex marido de Merle Oberon y amante de Audrey Hepburn).

Por último se casaría con Paul Magwood (trabajador en productoras como backstage y con el que estaría hasta 2003, viviendo en Wisconsin. En semiretiro del mundo del cine, tiene un confortable hotel (Auberge La Lucarne aux Chouettes) en Villeneuve-sur-Yonne, a unos 100 km al sur de París)
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MensajePublicado: 16 Apr 2008 6:44 pm     Responder citando

Kim Novak



Kim Novak (13 de febrero de 1933) es una actriz estadounidense.
Nació en Chicago como Marilyn Pauline Novak. Su padre, que había sido profesor, era funcionario municipal de tráfico, y su madre también había sido profesora. No fue una buena estudiante en el colegio. No se sentía a gusto y le molestaba que se le dijese lo que debía hacer. Cuando terminó sus estudios escolares se dedicó a presentar como modelo vestidos de adolescentes en unos grandes almacenes de la ciudad. Más adelante consiguió una beca para ingresar en una escuela de modelos.

Unos años después Novak realizó diversos trabajos intentando encontrar su camino para el futuro. Hizo de ascensorista, empleada de tienda e incluso de asistente de un dentista. Pero todo ello no le satisfizo, por lo que volvió a su profesión de modelo, que según ella consideraba había desempeñado bien. Se marchó a Los Ángeles para buscar suerte como modelo en esa ciudad. Comenzó a trabajar y un directivo de los estudios RKO le ofreció un papel muy pequeño en una película de 1954. Aún siendo su papel insignificante, un agente se fijó en ella y le consiguió una prueba ante la cámara en los estudios Columbia, de la que resultó un primer contrato de seis meses.

Siendo su nombre Marilyn, el estudio decidió cambiarlo, para evitar comparaciones entre Novak y Marilyn Monroe. Ella insistió que su apellido fuese el verdadero, de manera que finalmente todos se pusieron de acuerdo en Kim Novak. Tomó unas clases de interpretación, que el estudio no quiso pagar, y Novak apareció en ese mismo año de 1954 en su primera película, Pushover, con Fred MacMurray. Aunque su actuación no fue digna de mención, los críticos y las audiencias se fijaron en su atractivo físico y en la expresividad de sus ojos, de forma que unos meses después volvió a actuar en otra película, esta vez con Jack Lemmon.

Novak comenzó a ser popular a raíz de estas dos películas. Recibía gran cantidad de escritos de sus admiradores y admiradoras. Después de su siguiente película, rodada en 1955 y que también resultó un éxito para la joven actriz, llegó en ese mismo año su gran oportunidad con Picnic, film que protagonizó ella con William Holden y que tuvo un éxito rotundo. Novak se había convertido en un actriz, e hizo una interpretación realmente excelente, al igual que Holden. Desde entonces se sucedieron sus apariciones como protagonista en películas co-protagonizadas por actores famosos, como Frank Sinatra en Pal Joey o James Stewart en Vertigo.

Después de rodar The Amorous Adventures of Moll Flanders en 1965, Novak decidió retirarse del cine por un tiempo, y volvió tres años después. Intervino en The Legend of Lylah Clare, que fue un fracaso. A pesar de ello, Novak pudo elegir sus papeles en los siguientes años, debido a su enorme popularidad entre el público, que la consideraba una de las actrices más atractivas del cine. Sin embargo, las películas en las que actuó en los años siguientes no eran buenas, motivo por el cual se fue orientando hacia la televisión, aprovechando las oportunidades que se le ofrecían en este medio de participar en películas de mayor calidad o de mayor audiencia. Así, por ejemplo, en 1981 actuó en la serie Falcon Crest. Diez años más tarde, en 1991, hizo su última película para la gran pantalla, Liebestraum.

Novak se casó en 1965. Ese matrimonio duró sólo un año, y acabó en divorcio. En 1976 se casó de nuevo. Vive con su marido en sus casas de California y Oregon, donde cría caballos y llamas.
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MensajePublicado: 16 Apr 2008 6:59 pm     Responder citando

Charlie Chaplin



Charles Spencer Chaplin Jr., KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Premio Oscar. A través de sus casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Su hija, Geraldine Chaplin, se dedicó también a la actuación.

El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue aquel del vagabundo (The Tramp, en inglés; Charlot, en español, italiano y francés): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentesCharles Spencer Chaplin nació en East Street, Walworth, Londres el 16 de abril de 1889, Inglaterra, según dijo él mismo, ya que en ningún sitio consta documentación oficial de su nacimiento. Su madre fue una actriz de teatro que vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia. Su padre era alcohólico, por lo que la familia vivía sumida en la terrible pobreza urbana de esa ciudad a finales del siglo XIX. Creció en el barrio de Kennington, rodeado de muchos actores del music-hall. Su padre fue un cantante del music-hall. Charlie quedó al cuidado de su madre cuando sus padres se separaron, poco después de su nacimiento. Su padre murió cuando Charlie tenía 12 años, y junto con su hermano Sidney pasó largos períodos de tiempo en orfanatos. Charlie era zurdo, al igual que su hija Geraldine Chaplin y sus nietos Tania Chaplin, Suso Chaplin y Dolores Chaplin

Charles, con su hermano Sidney, dos años mayor, habían heredado el talento artístico de la familia y comenzaron a trabajar en ello desde niños. Cuenta el propio Charlie que su primera aparición pública fue a la edad de 5 años, sustituyendo a su madre en un teatro londinense. Ahí empezó a trabajar como actor infantil en el teatro, y recibió buenas críticas. Mientras, su hermano se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, y convenció a éste para que contratara a su hermano para hacer un sketch, y posteriormente, lo envió de gira por Estados Unidos, a comienzo de la década de los años 1910.
Con estas giras, Mack Sennett le ofreció un contrato, y se fue con él a California. Fue allí donde Chaplin descubre el mundo del cine y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. Al llegar a la meca del cine ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mack Swain.

En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.
En la compañía Keystone, rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.

En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora, empezó a hacer un cine con una gran crítica social.

Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El emigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot músico ambulante (The Vagabond, 1916).
En otoño de 1917 volvió a cambiar de productora, esta vez firmó para la First National, con la que colaboraría en los siguientes años, y que le consiguió su estudio en el que rodaría la mayor parte de sus películas. Allí hizo películas como Vida de perro (A Dog's Life, 1918) o Armas al hombro (Shoulder Arms, 1918).

Fue entonces cuando rodó El chico (The Kid, 1921), con el niño Jackie Coogan, que acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. Tal es así que en el año 1971 él volvió a componer la música de la misma. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. La misma cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño, lo que había sido su propia infancia. La filmación duró más de un año y en la misma Chaplin tuvo que afrontar varios sucesos importantes que marcaron su vida.

Siendo ya millonario, regresó a Europa sólo para buscar y llevarse a su madre a América, que se encontraba recluida en un sanatorio mental. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental.
Cuando acabó su contrato, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith fundó la United Artists, el 5 de febrero de 1919, y pudo rodar su primer largometraje, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923). Fue un fracaso comercial, ya que intentó que fuera una película dramática y no acabó de gustar al gran público, pero sin embargo, sus dos siguientes películas, La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) y El circo (The Circus, 1928), se convertirían en dos de las películas más taquilleras del periodo mudo, y son consideradas como dos de las mejores de toda su filmografía, de hecho la segunda es la única en haber conseguido un premio Oscar, que se le otorgó varios años después como un acto de disculpas hacia el gran Chaplin por tantos años de persecución y castigo por parte de la prensa norteamericana. La United Artists produjo otras muchas películas, y en el año 1952 fue comprada por Arthur Krim. Sigue funcionando como productora en la actualidad.

Chaplin fue renuente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a finales de los años 1920. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque pensaba que eso lo estropearía. De hecho, por más que en el Gran Dictador y en Candilejas Chaplin sí habla, el personaje del vagabundo nunca lo hizo en una película, ni siquiera en Tiempos Modernos donde el resto del elenco sí lo hace. Es así que empezó a rodar Luces de la ciudad (City Lights), y la presentó como película muda, pero con música grabada dentro del film, compuesta por él mismo.
Tiempos modernos (Modern Times, 1936), es la última película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo la mímica de las películas mudas. Los sectores más reaccionarios y puritanos de Estados Unidos se enfurecieron con esta película, que es considerada una de las obras maestras de la historia del cine.

Las críticas contra Chaplin aumentaron cuando realizó esta película, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), protagonizada junto a Paulette Goddard, su tercera mujer

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, se desató en EEUU lo que se conocería como «caza de brujas». Este fenómeno consistía en una política estatal que perseguía a los «comunistas» estadounidenses en un intento supuestamente de proteger la seguridad nacional (aunque en ningún momento se ilegalizó el Partido Comunista de los Estados Unidos, lo que hubiera supuesto un atentado en contra de los derechos civiles de los ciudadanos sí se investigó y en muchos casos se arruinó la vida de quien fuese o pareciese ser comunista).

Chaplin ya había tenido muchos problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas, y en general con los tribunales norteamericanos. Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas, como Tiempos modernos o El gran dictador, hizo que se buscara cualquier excusa para meterlo en la cárcel. Le acusaron de incumplir la Ley Mann, según la cual era delito trasladarse a otro estado para fines sexuales, cuando llevó a Joan Barry, novia por aquel entonces a la que superaba en 30 años su edad, desde Los Ángeles hasta Nueva York. Debido a la neurosis provocada por el odio a los comunistas, le acusaron de ser comunista basándose en una serie de «pruebas»: en un mitin, había dicho que debería de abrirse un nuevo frente contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial, por lo que le acusaron de comunista; participó en un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco, e intervino en un acto sobre arte ruso en Nueva York.

Su película Monsieur Verdoux, del año 1947, fue otra de las excusas para justificar esta persecución, ya que en ella establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista, y los de las grandes potencias en período de entreguerras.

En el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportaran a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América». Fue llamado a testificar en el Comité en varias ocasiones, pero no se presentó a ninguna. Al mismo tiempo, le estaban acosando los Veteranos de Guerra Católicos, una asociación reaccionaria, que le acusaba de haber escrito una carta a Pablo Picasso, peligroso comunista para ellos, y un senador llegó a decir que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición».

El 17 de septiembre de 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa, hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debía ser expulsado. Le acusaron formalmente de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido».

En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957, rodó una película en la que parodiaba a EEUU y a la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. La película fue un fracaso comercial y los críticos no la respaldaron, pero tanto Brando como Loren dijeron que no podían decirle que no a un genio tan grande como Chaplin.

Dos décadas después, ya convertido en un anciano, le fue concedido el permiso de réingresar a Estados Unidos para recibir un Oscar Honorífico (1972) "por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX, el cine", y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien Chaplin ya había obtenido un Oscar Especial por su película El circo). La entrega del premio se preparó especialmente, de hecho, fue la única vez en que el premio a la "Mejor Película" no se entregó al final, el momento se reservó para Charlie Chaplin. Todos los ganadores de la noche fueron invitados a subir al escenario para que el mismo presidente de la academia Daniel Taradash presentará el galardón luego de veinte minutos en que exhibieron los mejores momentos de su filmografía. Finalmente Chaplin aparecio y el público le aplaudió por siete minutos (la ovación más larga en la historia de los Oscar). Al fín, Chaplin tuvo su oportunidad de hablar diciendo estas palabras:

<<Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Solo puedo decir que... gracias por el honor de ser
invitado aquí, y... oh son gente maravillosa y dulce, gracias.>>
En reconocimiento de sus destacados méritos fue nombrado caballero por la Corte Real británica y se convirtió en Sir Charles Chaplin (1975). Finalmente, este humilde hombre que había cambiado el cine para siempre, había recibido una pizca del reconocimiento que se merecía.

A comienzos de los años 70, Chaplin comenzó a escribir la música y partituras originales para sus películas mudas, para estrenarlas como versiones definitivas. En total compuso la música de todas sus películas cortas de la First National (1918-1923), y también de sus largometrajes El chico y El circo. Su último trabajo completado fue la musicalización de su película de 1923 Una mujer de París, en 1976.

Charlie Chaplin era cómico dentro y fuera del cine. Gustaba al público y el público le gustaba a él. Se recuerdan escenas públicas como aquella en un restaurante en que, al pedir su plato preferido de pescado, pescado a la plancha entero y muy grande, se ponía a dramatizar mientras todo el restaurante le miraba llorando de la risa mientras se lo comía lamentando su pérdida. U otras como probar el vino que le daba el camarero en su primera copa, escupirla con enorme asco ante el asombro de todos, incluido el camarero, y cuando se hacía el silencio mirar al camarero y decirle: «¡Excelente!» son anécdotas de cómo la vida con él era una caja de sorpresas. (Comentado por su hija Geraldine en entrevistas).

En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Corsier-sur-Vevey (Suiza), donde falleció el 25 de diciembre de 1977, mientras dormía, a la edad de 88 años. Alguna vez su hija Geraldine comentó curiosamente que a Charlie Chaplin nunca le gustó la navidad ni disfrutar de ella, muriendo el mismo día para así recordarles todos los años el día de su muerte[cita requerida]. Su cuerpo fue exhumado, siendo recuperado y enterrado de nuevo tres meses después, cerca de su mansión suiza.
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MensajePublicado: 16 Apr 2008 7:08 pm     Responder citando

Datos de interes sobre Chaplin:



1ºCharles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

2ºEn español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

3ºSe dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.

4ºComo curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

5ºEl prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

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MensajePublicado: 16 Apr 2008 7:16 pm     Responder citando

Buster Keaton



Joseph Francis "Buster" Keaton (n. Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - m. Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de palo". Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vaudeville. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "Buster" (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "Los Tres Keatons") desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Al momento que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la, entonces naciente, industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. Buster rechazó una oferta del Winter Garden Theatre, que le ofrecía 250 dólares a la semana, por trabajar en películas por 40 dólares cada una. Keaton y Arbuckle se hicieron entonces amigos inseparables. Su primera película fue Fatty asesino (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía.

Tras cinco películas más con Fatty, se trasladaron con todo el equipo a California, y fue allí donde conoció a una de las famosas hermanas Talmadge, Natalia, con quien se casaría poco tiempo después. Volvió a casarse otras dos veces, con Mae Scribbens en el año 1933 y con Eleanor Harris en 1940.

En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí, fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. Paradójicamente, en aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe

Entre los años 1921 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928 otros 10 largometrajes. Durante esta época, tuvo absoluto control de todas sus películas, aunque pidiera las cosas más extrañas para rodarlas, como una antigua locomotora o un transatlántico, aunque él personalmente no tuvo ni una acción de la productora que permitía hacer todas estas películas. Después, no volvería a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial lo hizo uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.

Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "cara de palo". Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que no usaba ningún doble ni especialista. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925)
En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión norteamericana que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia". Estaba basada en un hecho "real" autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren Confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "malos" para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchos películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso comercial.

La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría por siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.

Las películas El crepúsculo de los Dioses (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él. Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión, espectáculos en directo, que hizo que la gente se interesara en las antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Alan Schneider. En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles. Otra presentación memorable en una película es cuando comparte roles con Cantinflas en la película "La vuelta al mundo en 80 días", en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película)
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Rodolfo Valentino



Rodolfo Valentino (Castellaneta, Italia, 6 de mayo de 1895 - Nueva York, 23 de agosto de 1926) fue un actor estadounidense de origen italiano. Su nombre verdadero era Rodolfo Pietro Filiberto Raffaelo Guglielmi di Valentina. Conocido en inglés como 'Rudolph Valentino', fue el 'sex-symbol' latino por excelencia.

Hijo de madre francesa y padre italiano, nació en Castellaneta, Tarento, Italia. Tenía un hermano menor, Alberto, una hermana menor, María, y una hermana mayor que murió en la infancia, Beatrice.

De pequeño, Valentino era un niño mimado y problemático. Mal estudiante, solía saltarse las clases siempre que podía, hasta que su madre le llevó a una escuela de agricultura donde consiguió un título.

En 1912, viajó a París donde tardó menos de un año en perder todo su dinero y llamar a su madre para ayudarlo a volver a Italia. De nuevo en Italia, era incapaz de encontrar un trabajo y sus tíos decidieron enviarlo a Estados Unidos para buscar suerte allí.

Después de dilapidar su dinero como de costumbre, pasó un tiempo viviendo en las calles y trabajando como jardinero, camarero, bailarín y gigoló. Poco a poco hizo amistades entre la alta sociedad, y atrajo la atención de la heredera chilena Blanca de Saulles. No es seguro que tuvieran una relación, pero poco después de Saulles se divorció de su marido alegando la infidelidad de éste y respaldada por Valentino. Al final, el propio Valentino se vio envuelto en el escandaloso divorcio que acabó con Blanca asesinando a su marido de un disparo.

En 1913, Valentino se trasladó a Nueva York a buscar fortuna. Después de dilapidar su dinero como de costumbre, pasó un tiempo viviendo en las calles y trabajando como jardinero, camarero, bailarín y gigoló. Poco a poco hizo amistades entre la alta sociedad, y atrajo la atención de la heredera chilena Blanca de Saulles. No es seguro que tuvieran una relación, pero poco después de Saulles se divorció de su marido alegando la infidelidad de éste y respaldada por Valentino. Al final, el propio Valentino se vio envuelto en el escandaloso divorcio que acabó con Blanca asesinando a su marido de un disparo.

Después de esto, Valentino decidió mudarse a Hollywood y se cambió el nombre de Rodolfo Gugliemi a Rodolfo Valentino, en parte para dejar atrás lo sucedido con la heredera chilena y en parte porque los americanos no sabían pronunciar 'Gugliemi'.


Ya en Hollywood, Valentino se unió a una compañía de opereta que viajaba a Utah, donde se desbandó. Entonces viajó a San Francisco, donde conoció al actor Norman Kerry, que le convenció de probar suerte en el cine mudo. Hasta entonces, Valentino sólo había hecho de extra en algunas películas mudas en Nueva York.

Empezó a trabajar en varias películas donde solía dársele el papel de villano o gángster. Valentino era todo lo contrario que el actor 'de moda' por entonces, Douglas Fairbanks; pálido, de ojos azules y 'el típico hombre americano'. Esto le permitió jugar la baza de 'latin lover', un galán exótico completamente alejado del modelo de Fairbanks.

Valentino se casó con la actriz Jean Acker en 1919. Acker era una supuesta amante de la también actriz Alla Nazinoma, que la había amenazado con destruir su carrera si la abandonaba, antes de que ésta se casara con Valentino. Años más tarde, la pareja se divorció y Valentino se casó con Natacha Rambova, con la que también acabaría divorciándose. Poco antes de morir, Valentino tenía una relación con la actriz Pola Negri.

Finalmente, llamó la atención de la guionista June Mathis, que decidió que era perfecto para su próxima película, Los Cuatro Jinetes Del Apocalipsis, dirigida por Rex Ingram. La película fue un éxito y le valió a Valentino el apodo de 'piernas de tango'. Después vendrían El Caíd, su personaje más icónico, y años más tarde El Hijo Del Caíd. Con la película Sangre Y Arena, junto a Lila Lee y Nita Naldi, Valentino se convirtió en la mayor estrella masculina de su tiempo. A pesar de todo, Valentino no estaba muy contento con su salario, y se embarcó en un tour de danza por los Estados Unidos junto a la bailarina Natacha Rambova. El tour fue un éxito y Valentino ganaba con él unos 7.000 dólares semanales. En ese mismo periodo, publicó un libro de poesía, From Day Dreams, y su biografía apareció en forma de serial en revistas de cine. También grabó un disco, llamado 'Valentino's Renditions', y retó a un periodista a un combate de boxeo por insinuar que era homosexual

El 15 de agosto de 1926, Valentino fue hospitalizado en Nueva York y operado a causa de una úlcera perforada. Justo cuando empezaba a recuperarse la peritonitis empezó a extenderse por su cuerpo. Murió ocho días después, a la edad de 31 años. Su repentina muerte causó los suicidios de algunos admiradores. Está enterrado en el Hollywood Forever Cemetery (antes Hollywood Memorial Park Cemetery), en Hollywood, California.
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MensajePublicado: 16 Apr 2008 7:36 pm     Responder citando

Rodolfo Valentino y su segunda esposa Natacha Rambova:

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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:14 am     Responder citando

Rex Harrison



Reginald Carey Harrison (n. 5 de marzo de 1908 - m. 2 de junio de 1990), conocido como Rex Harrison, fue un actor de teatro y cine británico.

Nació en Huyton, Knowsley que entonces formaba parte de Lancashire, y se educó en el Liverpool College. Su primera aparición en un escenario se produjo en 1924, con 16 años de edad, en Liverpool. Su carrera se vio interrumpida por la Segunda Guerra Mundial, durante la cual sirvió en la Royal Air Force con el grado de teniente primero.

Apareció en diversos escenarios de Inglaterra, y en Broadway.

Su mayor éxito interpretativo en el cine fue como profesor Henry Higgins en la película musical My Fair Lady, junto con la deliciosa Audrey Hepburn. Ambos lograron personajes cargados de fuerza y expresividad, y la labor de Mr. Harrison se vio premiada con un Oscar de la Academia. Ya había ganado dos premios Tony: el primero en 1949 por Ana de los cien días, y el segundo en 1957 por ésta misma obra.

Otras de sus interpretaciones memorables para la gran pantalla fueron en El fantasma y la Sra. Muir, Doctor Dolittle, The Agony and the Ecstasy (donde encarnaba al papa Julio II, mecenas de Miguel Ángel) y Cleopatra donde componía un magnífico Julio César.

Estuvo casado 6 veces, según la siguiente cronología:

1ºCollette Thomas -actriz francesa de teatro- (1934-1942), (un hijo, el actor/cantante Noel Harrison)
2ºLilli Palmer -actriz- (1943-1957), (un hijo, el novelista/guionista Carey Harrison)
3ºKay Kendall -actriz- (1957-1959)
4ºRachel Roberts -actriz- (1962-1971)
5ºElizabeth Harris (1971-1975), (tres hijastros: Damian Harris, Jared Harris and Jamie Harris)
6ºMercia Tinker (1978-1990)

Murió de cáncer de páncreas tan sólo 3 semanas después de haber representado "El círculo" de W. Somerset Maugham.
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:19 am     Responder citando

Richard Burton

Richard Burton y Julie Andrews

Richard Burton, (n. 10 de noviembre de 1925 - m. 5 de agosto de 1984) fue un actor británico.

Richard Walter Jenkins nació en la aldea de Pontrhydyfen cerca del puerto de Talbot y creció en pobreza con muchos hermanos y hermanas. Criado como presbiteriano, con la ayuda de su profesor vocacional, Philip H. Burton (quién lo adoptó legalmente), él sobresalió desde muy temprano en producciones de la escuela. Fue en este tiempo en el cual comenzó a desarrollar la distintiva voz de discurso que se convertiría en su sello, siendo animado por Philip (quién se desempeñaba también como productor de radio de la BBC) a perder su acento Galés. Hasta el día de hoy, muchos estudiantes de actuación tratan de imitar el estilo de Burton para la locución que ha sido alabado por los críticos de todo el mundo.

Hay un mito extenso (quizás animado o aún auspiciado por algunos de los miembros de su familia de clase media) el cual dice que Richard Burton "ganó una beca a Oxford a la edad de dieciséis" pero que rechazo después de seis meses. Los hechos, según lo registrado por el mismo Burton en su autobiografía y en el Richard y Philip, que él 'co-escribió', son los siguientes: A la edad de dieciséis, lo forzaron salir de la escuela y encontrar el trabajo como vendedor. Su profesor anterior, Philip Burton, reconociendo su talento, lo adoptó y le permitió volver a la escuela. En 1943, a la edad de dieciocho, se le permitió a Richard Burton (quién ahora había tomado el apellido de su profesor), entrar a La Universidad de Exeter por solo seis meses. Luego de los cuales se alistó en el ejército para participar en la Segunda Guerra Mundial.

En los años 1940 y los comienzos de los años 1950 Burton trabajó en el teatro y en el cine del Reino Unido. Antes de servir en la guerra con la Royal Air Force, él había hecho su debut profesional en Liverpool, apareciendo en una obra llamada a Resto de Druid, pero su carrera fue interrumpida por su reclutamiento en 1944. Mientras realizaba su primera película, The Last Days of Dolwyn, en 1947, él conoció a su futura esposa, la joven actriz Sybil Williams, se casaron en febrero de 1949. Tuvieron dos hijas, pero se divorciaron en 1963. En el año de su unión con Sybil, Burton apareció en una producción altamente acertada llamada The Lady's Not For Burning, junto a sir Juan Gielgud. Estuvo casado dos veces con la misma persona y amor de su vida: Elizabeth Taylor

En 1952, Burton paso con éxito la transición a estrella de Hollywood, apareciendo en My Cousin Rachel junto a Olivia de Havilland. En 1954, interpretó su papel de radio más famoso, como el narrador de la producción original de Dylan Thomas "Under Milk Wood", un papel que representaría veinte años después en su adaptación al cine. Fue nominado siete veces para los Premios de la Academia, pero nunca ganó ninguno.
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:26 am     Responder citando

Debbie Reynolds



Debbie Reynolds (1 de abril de 1932) es una actriz y cantante estadounidense.

Debbie Reynolds nació con el nombre de Mary Frances Reynolds en El Paso, Texas, siendo la segunda hija de Raymond Francis Reynolds (1903 - 1986) y Maxine N. Harman (1913 - 1999).

Su familia se trasladó a Burbank, California en 1939. A los 16 años, Reynolds ganó el concurso de belleza de Miss Burbank, un contrato cinematográfico y adquirió el nombre con el que se la conoce.

Reynolds apareció en pequeños papeles en dos películas de la Warner y, posteriormente, firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, donde participó en las películas "Three Little Words", protagonizada por Fred Astaire y Red Skelton, "Two Weeks with Love", donde recibió muy buenas críticas, y "Mr. Imperium", con Lana Turner.

En contra de la oposición inicial de Gene Kelly y de su falta de habilidad para el claqué, Reynolds protagonizó "Cantando bajo la lluvia", junto a Kelly y Donald O'Connor.

Reynolds ha protagonizado muchas películas y ha grabado discos, con algunas canciones que han sido un éxito (la más conocida es "Tammy", que se incluye en su película de 1957 "Tammy, la muchacha salvaje"). Su papel protagonista en "Molly Brown siempre a flote" (1964) le proporcionó una candidatura al Oscar, que perdió ante Julie Andrews y su papel en "Mary Poppins".

Hasta 2005 ha seguido apareciendo en películas y series de televisión, uno de los pocos actores de la "Edad de Oro" de la MGM (incluyendo a Anita Page, Mickey Rooney, Lauren Bacall, Cyd Charisse, Margaret O'Brien, Jane Powell, Rita Moreno, Leslie Caron, Dean Stockwell, Van Johnson, Angela Lansbury, Russ Tamblyn o June Lockhart) que todavía sigue en activo. Desde 1999 hasta la actualidad, ha interpretado el papel de la madre de Grace, Bobbi Adler, en la serie de la NBC "Will & Grace".

Reynolds ha estado casada tres veces. Con Eddie Fisher se casó en 1955 y se divorció en 1959; de este matrimonio nacieron sus dos hijos, la actriz y guionista Carrie Fisher (conocida por su papel de Princesa Leia en la saga de La guerra de las galaxias) nacida en 1956, y Todd Fisher (1958). Posteriormente, se casó con Harry Karl en 1960, aunque se separaron en 1973. Finalmente, se casó con Richard Hamlett en 1984. Este matrimonio también terminó en divorcio en 1994.

La separación de su primer marido fue un enorme escándalo de la época, ya que Fisher abandonó a la intérprete para casarse con la actriz Elizabeth Taylor. Y el matrimonio de Reynolds con el magnate de los zapatos Harry Karl también resultó ser desastroso, debido a los problemas con el juego de Karl.

Durante su carrera, Reynolds ha sido candidata una vez al Oscar a la mejor actriz (por su papel en "Molly Brown siempre a flote"), cinco veces a los Globos de Oro y una vez a los Emmy.

Las huellas de Reynolds están impresas en el Grauman's Chinese Theatre de Hollywood. Además tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6654 de Hollywood Boulevard.
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:31 am     Responder citando

Laurence Olivier



Laurence Kerr Olivier, nombrado Baron Olivier, conocido artísticamente como Laurence Olivier, OM (Dorking, Surrey, 22 de mayo de 1907 – Steyning, Sussex; 11 de julio de 1989), actor y director británico.
Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio Cesar de William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20, debuta como actor de teatro y no tarda en convertirse en un gran especialista en Shakespeare. Durante la década de los treinta llega a ser una de las principales figuras de la compañía del famoso Old Vic Theatre, mientras desarrolla una carrera como actor de cine en varias películas británicas. Llega a Hollywood y se convierte en un actor de películas románticas debido a su Heathcliff de Cumbres Borrascosas dirigido por William Wyler y a su Max de Winter en Rebeca de Alfred Hitchcock.

La II Guerra Mundial interrumpe esta ascendente trayectoria y le lleva a intervenir en diferentes películas de propaganda bélica, el documental Los conquistadores del aire de los hermanos Korda, la obra de ficción Lady Hamilton o Los invasores de Michael Powell. En 1946 dirige Enrique IV, personal visión de la tragedia de Shakespeare y por la que consigue varios Oscars. Su éxito le ayuda a dirigir y protagonizar Hamlet un nuevo éxito que le hace ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, el Oscar a la mejor película y al mejor actor. En los años 50 dirige el "Old Vic Theatre" y dedica su tiempo al teatro, aunque vuelve a Hollywood para protagonizar Carrie de William Wyler y para terminar su trilogía shakesperiana con Ricardo III que no logra el éxito de las anteriores.

En los sesenta dirige la England's National Theatre Company y cierra su carrera como director con El príncipe y la corista una comedia con él de protagonista y Marilyn Monroe como partenaire y Tres hermanas una adaptación al clásico de Antón Chéjov. Además interviene como actor en películas entre las que destacan Espartaco, donde da vida al cónsul Craso y es dirigido por Stanley Kubrick, El animador de Tony Richardson, Las sandalias del pescador con Anthony Quinn o El rapto de Bunny Lake de Otto Preminger. Tras conseguir todo tipo de honores y ser un mito del teatro británico, en los años setenta y ochenta se limita a hacer secundarios en películas de renombre como La huella en la que tiene un duelo interpretativo enorme con Michael Caine, Marathon Man de John Schlesinger o Los niños del Brasil, inquietante película sobre el doctor nazi Joseph Mengele (Gregory Peck) y éste como el cazanazis retirado.

En los años setenta protagoniza una serie de películas para televisón entre las que sobresale Amor entre ruinas con Katharine Hepburn y por la que gana un premio Emmy.

Casado en segundas nupcias con Vivien Leigh, se divorcia para casarse con la actríz británica Joan Plowright

Oscars
Año Categoría Película
1939 Oscar al mejor actor Cumbres Borrascosas Nominado
1940 Oscar al mejor actor Rebeca Nominado
1946 Oscar al mejor actor Enrique V Nominado
1946 Oscar Honorífico Por su gran trabajo en Enrique V Ganador
1948 Oscar a la mejor película Hamlet Ganador
1948 Oscar a la mejor dirección Hamlet Nominado
1948 Oscar al mejor actor Hamlet Ganador
1955 Oscar al mejor actor Ricardo III Nominado
1960 Oscar al mejor actor El animador Nominado
1972 Oscar al mejor actor La Huella Nominado
1976 Oscar al mejor actor de reparto Marathon Man Nominado
1978 Oscar al mejor actor de reparto Los niños del Brasil Nominado
1978 Oscar Honorífico Ganador
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:36 am     Responder citando

Joan Plowright


Joan y Laurence Olivier

Joan Plowright, actriz inglesa nacida el 28 de octubre de 1929 .

Joan Plowright nació el 28 de octubre de 1929 en Brigg, North Lincolnshire, Reino Unido. Desde joven manifestó cierto interés hacia el teatro, interviniendo hacia finales de los años cuarenta en obras como Si las paredes hablasen y Mayor Barbara.

Finalizadas estras representaciones Joan ingresó en The Bristold Old Vic, donde permaneció entre 1950 y 1952. Concluida su formación profesional, contrajo matrimonio con Roger Gage. En 1954 debutó en Londres con The Duenna, a la que seguirían piezas como The Chairs y El crisol, basada en la pieza de Arthur Miller, en la que se abordaba de forma metafórica una denuncia hacia la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy durante finales de los cuarenta, a la vez que proponía un discurso sobre la importancia de decir la verdad.

Mientras tanto inició sus primeros pasos en el cine con una breve y no acredita actuación en Moby Dick (John Huston, 1956), y en un thriller dirigido por Joseph Lossey. Por esas fechas se sumó a la Compañía de Teatro Nacional.

En 1958 Joan obtuvo su primera candidatura a los Premios Tony por El animador, obra teatral que ella misma protagonizaría en el cine junto a Laurence Olivier en 1960, año en el que ambos representarían -junto a la mujer de éste último (Vivien Leigh)- Rhinocero, dirigida por Orson Welles.

Ese año de intensa actividad profesional coincidió con su divorcio. Olivier al año siguiente se separó de Vivian y se casó con Joan, quien se llevaría ese año el Tony por The Taste of Honey.

En 1962 nació el primer hijo del matrimonio, Richard Olivier. Tras el parto, Joan obtuvo dos ocasiones de lucimiento en Saint Joan, en la que interpretó a Juana de Arco, y en Tío Vanya de Anton Chéjov, en la que incorporó a Sonya, una mujer enamorada cuyo anciano marido dificultaba la consecución de su felicidad.

En 1966, tras el nacimiento de su hija (Juliet Kate Olivier), protagonizó la versión teatral de Mucho ruido y pocas nueces, en el mismo papel que un año antes Maggie Smith había representado: Beatrice, mujer de ingenio y carácter, que al final aceptaba casarse con su amigo-rival Benedicto. Frank Finlay, Derek Jacobi y Robert Stephens fueron sus compañeros de plantel. Sin proponérselo, Joan empeza a configurarse como una actriz destinada a interpretar a mujeres activas, con capacidad para dirigir la vida de los demás, pero que en el fondo escondían un corazón de oro. Así mismo como Judi Dench empezaba a destacarse como un rostro asociado a la alta cultura inglesa, dada su adscripción a piezas que por entonces gozaban de prestigio.

Al año siguiente se atrevió con la obra de Moliere Tartufo.

En 1969, convertida ya en una actriz respetada por la crítica, dirigió tres obras de teatro: Evasion of Women, Rites y The Travails of Sancho Panza.

En 1970 fue dirigida por su marido en la película Tres hermanas, tras cuyo rodaje se subió de nuevo a los tabloides con El mercader de Venecia.

En 1975 obtuvo su mayor éxito con La gaviota, en la que compartió escenario con Alan Bates y Helen Mirren.

En 1977 Joan consiguió una candidatura al Premio BAFTA a la mejor actriz de reparto por la película Equs, en la que encarnó a la paciente ayudante de Richard Burton. En teatro, estrenó Filemuna, una de sus intervenciones más recordadas.

En 1984 compartió protagonismo con Maggie Smith de la obra The Way of The World.

En 1986 se puso en la piel de La Poncia en La casa de Bernarda Alba, la criada testigo de la tragedia ideada por Federico García Lorca.

En 1989 Joan enviudó de Olivier. Ese mismo año su carrera cinematográfica, siempre a segundo plano hasta entonces, empezó a despegar. En efecto, Lawrence Kasdan solicitó sus servicios para Te amaré hasta que te mate, donde la actriz se puso en la piel de una suegra dispuesta a envenenar a su yerno (Kevin Kline) a la menor ocasión.

Barry Levinson la contrató en 1990 para Avalon, donde interpretó a Eva Krinchinsky, una mujer polaca afincada en Baltimore, que años después de la II Guerra Mundial recibe noticias de un hermano al que no conocía. Ese perfil que había cultivado en el teatro empezaba a corresponderse con el que se labraba en el la gran pantalla. Eva Krinchisky constituía la pieza angular de su hogar y al final de su vida sufrió el abandono de la mitad de su familia, la cual ni siquiera asistió a su entierro.

1992 fue su gran año. Primero incorporó a la mujer de Stalin en un telefilme que llevaba el nombre del dirigente ruso. Después se unió al elenco de Un abril encantado, donde encarnó a Miss Fisher, una mujer mayor aferrada al pasado y que tras pasar una temporada en la Toscana comprendía que debía volver a aprovechar el tiempo del que disponía, abriéndose a nueva gente y experiencia. Ambas interpretaciones fueron recompensadas con sendos Globos de Oro y una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto, y que fue a para sorpresa de todos los periodistas a Marisa Tomei.

A raíz de su renovada popularidad, Joan se convirtió en una actriz de reparto frecuente en películas comerciales como Daniel el travieso -en la que se puso en la piel de la amable señora Wilsonn-, El último gran héroe -donde tenía una aparición como la afable propietaria de un cine-, La letra escarlata -donde era acusada de bruja-, 101 dálmatas -donde daba vida a la fiel Nanny- o Sobrevivir a Picasso, donde interpretó a la abuela de Françoise Gilot, una mujer preocupada por el romance de su nieta con Pablo Picasso.

Sus papeles más destacados de esta época fueron los llevados a cabo en El pico de las vidas -donde encarnó a Mrs. Doggy, una mujer que dominaba la vida del pueblo y sin complejos para difamar sin pernsárselo-, Hotel Sorrento, y Jane Eyre, en la que inició una larga colaboración con Franco Zeffirelli, quien satisfecho de su perfomance como la Mrs. Fairfax -una ama de llaves que sufre al ver la atormentada vida del Señor Rochester-, la contrató para protagonizar Té con Mussolini. En aquella película Joan defendió el papel de Mary Wallace, una secretaria que se hacía cargo de la educación de un niño bastardo llamado Lucca.

En 2001 escribió sus memorias And That´s Not All y preparó su regreso a las tablas con Absolutly (2003). En el cine ejecutó pequeños cometidos en Se montó la gorda y Callas Forever, en la que incorporó a la periodista Sarah Keller, una amiga de Maria Callas preocupada por el estado anímico de ésta.

En 2003 recibió el título de Dama del Imperio Británico.

En 2005 consiguió un papel protagonista en Mrs. Palfrey At Claremont, en la que Joan interpretó a una mujer mayor que entablaba una amistad con un joven solitario. A finales de año, la actriz recibió una candidatura a los Golden Satelittes
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 10:40 am     Responder citando

Orson Welles



George Orson Welles (n. Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 – m. Los Ángeles, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor estadounidense. Realizó algunas de las películas más recordadas del siglo XX, entre las que destacan Ciudadano Kane, por la que recibió el Oscar al mejor guión original, El cuarto mandamiento y Sed de mal, entre otras.
Su familia se componía de su padre Richard Head Welles empresario e inventor, su madre Beatrice Ives quien se dedicaba a dar conciertos de piano y su hermano mayor Dickie quien fue recluido en una institución psiquiátrica por múltiples problemas mentales. Beatrice y Richard se divorciaron en 1921. Maurice Bernstain (medico de Chicago interesado sentimentalmente en la madre de Orson) descubrió su genialidad y Beatrice comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, tales como la música, literatura, pintura, dibujo.

Beatrice Ives fallecería de Ictericia en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924, tras la muerte de su madre Orson de 9 años de edad, perdería su interés en la música, y paso a custodia de su padre que se volvió alcohólico, M. Bernstein seguiría siendo el impulsor de la educación de Wells, quien estudiaría en la Tool School de Illinois. En 1930, con tan solo 15 años, sufre la pérdida de su padre a causa de su adicción a la bebida.
En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta.

Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos peliculas.

El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial - también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontencimientos.

Posteriormente, Welles convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guión, Welles dirigió la película bajo el título de Ciudadano Kane, considerada la mejor película de la historia de Hollywood. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.

Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematrográfico era casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando hizo la película más importante de la historia del cine.

Para el guión de su segunda película, El cuarto mandamiento (1942), Welles se basó en la novela The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta diría que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane.

Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró que también sabía ser un eficaz artesano.

La dama de Shanghai (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vertigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.

Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de Ciudadano Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.

Sed de Mal (1958) es su segunda obra maestra después de Ciudadano Kane. En este subyugante thriller Welles se reserva el papel de un obeso inspector de policía que utiliza métodos de una ética más que dudosa. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano.

En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque notable en muchas escenas.

Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas: Macbeth (1948), Othello (1952) y Campanadas a medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.

En 1973, Welles estrena Fraude, una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard.

Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine, Ciudadano Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Sed de mal (una toma ininterrumpida de varios minutos)demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir. Incluso obras menores como El extraño presentan rastros de su gran talento.

En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.

Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth. Trabajador infatigable mantuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Al año siguiente, sus cenizas fueron enterradas en una hacienda del torero Antonio Ordóñez, en Ronda (provincia de Málaga), al haber expresado Welles en vida este deseo.
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 1:25 pm     Responder citando

Glenn Ford


Gwyllyn Samuel Newton "Glenn" Ford (n. 1 de mayo de 1916 - m. 30 de agosto de 2006), fue un mítico actor de cine clásico estadounidense ganador del Globo de Oro.

Hijo de un ejecutivo ferroviario canadiense, su familia se trasladó cuando contaba sólo ocho años a California. Con 19 años debuta como actor de teatro. Rueda su primera película con la 20th Century Fox, pero luego firma contrato con la Columbia, en donde rodará unas cincuenta películas en 18 años. Sus primeros papeles fueron en westerns de bajo presupuesto.

Alcanzó la celebridad por su intervención en "Gilda" de Charles Vidor, en particular por la famosa escena en que abofetea a Rita Hayworth. Sin embargo los intentos sucesivos de repetir el éxito con esta pareja de actores fueron sonados fracasos comerciales. Sus mejores papeles fueron bajo las órdenes del director de origen austríaco Fritz Lang en "Los sobornados" y "Deseos humanos".

En 1959 pasa a formar parte de la plantilla de la Metro, en donde conseguirá buenos papeles a las órdenes de Vincente Minnelli en "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" y "El noviazgo del padre de Eddie".

Glenn Ford se caracterizó por hacer personajes honestos que sufrían bajo el abuso y que resurgían bajo la determinación y voluntad extrema. También hizo papeles discretos de galán.

Ford nunca llegó a obtener un premio de La Academia, obtuvo un Globo de Oro y en la década de los sesenta, su estrella declinó lentamente. Siempre se le consideró un actor infravalorado por el medio, pero la gran gama de personajes que interpretó lo encasilló como uno de los mitos de Hollywood, con un fiel grupo de fans y una fiel teleaudiencia.

En 1978 formó parte del elenco de la película "Superman", haciendo el papel de Jonathan Kent, padre adoptivo de Clark.
Glenn Ford tuvo dos aspectos marcados de su personalidad: era para sus amigos personales un verdadero y gran amigo, y mantuvo un largo círculo de amistades a través de su vida. Algunos de ellos fueron: El matrimonio del presidente Ronald Reagan y señora, Frank Sinatra, Dale Evans, Roy Rogers y Gene Autry, Martin Landau, Angie Dickinson, Ernest Borgnine y Paul Mazursky. Aficionado a la cría de caballos, se dedicó en los últimos años a esta actividad en un rancho en California. Además siempre demostró un elevado patriotismo que se deja ver a través de sus films.

Por otro lado, Glenn Ford demostró en el curso de su vida íntima que era un tanto distinto a los personajes que interpretaba. En alguna época óscura de su vida marcó la diferencia con el común demostrando a quien quisiese que tenía un elevado status personal y se hizo poco accesible a la prensa. Su carácter varió a medida que la fama le llegaba desde un cordial y amable actor a un Ford enviciado con el alcohol, irrascible, maníaco y poseido de un gran espíritu de egoísmo. Ford demostró ser muy difícil de convivir para sus parejas y sus relaciones terminaron en malos términos. Sus matrimonios fueron:

1º Con la bailarina Eleanor Powell desde el 24 de octubre de 1943 -hasta el 23 Noviembre de 1959: 16 años, 1 hijo llamado Peter Ford.
2º Con Kathryn Hays desde el 27 de marzo de 1966 -hasta junio de 1969): divorcio sin hijos.
3º Con Cynthia Hayward desde el 10 de septiembre 1977 - hasta 1984: divorcio sin hijos.
4º Con Jeanne Baus desde el 5 de marzo de 1993 - hasta 1994: divorcio sin hijos.

Tuvo además un largos y mediáticos romances con: Zsa Zsa Gabor, Hope Lange, Rita Hayworth, Connie Stevens, Joan Crawford, Dinah Shore, Brigitte Bardot, Debbie Reynolds, Maria Schell, Linda Christian, y Judy Garland, pero no concluyeron en el altar.

Ford padecío de problemas cardíacos en sus 80 años y aun así logró llegar a los 90. En 1987 fue homenajeado con el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián. Falleció en el curso de la noche del 30 de agosto de 2006 en su residencia de Beverly Hills (California) a los 90 años de edad.
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MensajePublicado: 17 Apr 2008 1:32 pm     Responder citando

Carmen Miranda



Carmen Miranda (9 de febrero de 1909 – 5 de agosto de 1955); nació bajo el nombre Maria do Carmo Miranda da Cunha) fue una cantante de samba y actriz portuguesa/brasileña famosa durante los años 40.

Miranda nació en la pequeña ciudad Marco de Canaveses al norte de Portugal. Su familia se trasladó a Brasil cuando tenía un año de edad. Estudió en el Convento de Santa Teresinha. Sus padres no aprobaron sus deseos de trabajar en el espectáculo, por lo que guardó el deseo durante años. En su tiempo libre cantaba en algunas fiestas de la ciudad. Para ayudar a financiar el tratamiento médico de su hermana, Olinda, quien tenía tuberculosis, Carmen trabajó en una tienda de corbatas y luego en una boutique, La Femme Chic, donde aprendió a confeccionar sombreros. Al poco tiempo, comenzó su propio negocio de sombreros.

Finalmente fue descubierta y le dieron la oportunidad de cantar en una estación de radio local. Una cosa llevó a la otra, y comenzó una carrera como cantante de samba durante diez años antes de ser invitada a Nueva York para presentar su show en Broadway. En Brasil, fue vista como una innovadora en la música, y fue una de las primeras estrellas del samba antes de ir a Estados Unidos. Hizo además seis películas durante su carrera en Brasil.

Miranda llegó a Estados Unidos en 1939 con su banda, Bando da Lua, y alcanzaron el estrellato durante los años 40. Fue animada por el Gobierno de Estados Unidos en su carrera artística, como parte de la Política de buena vecindad del presidente Roosevelt, diseñada para fomentar los lazos entre Latinoamérica y Europa; se creía que entregando apoyo a artistas como ella, la política sería mejor recibida por el pueblo. Fue la artista mejor pagada durante los años 40, y en 1945 fue la mujer mejor pagada en Estados Unidos, ganando más de $200.000 dólares ese año, según el IRS.

Miranda hizo un total de 14 películas en Hollywood entre 1940 y 1953. Como cantante, vendió más de 10 millones de copias a lo largo del mundo. Recibió el apodo "The Brazilian Bombshell".

La mirada que tenía Hollywood sobre Miranda era la de una mujer latina genérica que dejaba de lado las distinciones entre Brasil, Argentina y México al igual que entre la samba, tango y habanera. Su aspecto era extravagante, generalmente usaba sandalias de plataforma y sombreros hechos de fruta. Debido a su baja estatura (1,52 m.) este atuendo la hacía ver más alta en la pantalla.

Durante una visita a Brasil en 1940 fue fuertemente criticada por formar parte de la cultura estadounidense y entregar una falsa imagen de Brasil. Respondió con la canción en portugués "Disseram Que Eu Voltei Americanizada", o "Dicen que me he vuelto americanizada". Otra canción, "Bananas Is My Business", estuvo basada en la línea de una de sus películas y ayudó a formar su imagen. Se sintió molesta por las críticas y no regresó a Brasil después de 14 años.

Miranda no fumó ni bebió hasta los 30 años de edad. Debido a su adicción al alcohol y tabaco, utilizaba regularmente anfetaminas y barbitúricos, los cuales debilitaron su corazón.

Murió de un infarto cardíaco tras una aparición en The Jimmy Durante Show. Tras completar un número artístico, Miranda sufrió un pequeño infarto. Durante estuvo a su lado, y la ayudó a mantenerse en pie. Miranda sonrió, saludó al público, y salió del escenario por última vez. Miranda murió a la mañana siguiente; a la edad de 46 años.

La causa oficial de su muerte que fue dada en su certificado de defunción fue toxemia (luego conocida como preeclampsia). Su cuerpo fue llevado a Brasil y el gobierno del país declaró un periodo de luto. Fue enterrada en el Cemitério São João Batista en Río de Janeiro.

Por su trabajo en el cine estadounidense, Carmen Miranda recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6262 Hollywood Boulevard.

Helena Solberg hizo un documental de su vida, Carmen Miranda: Bananas Is My Business en 1995.

El famoso sombrero de frutas de Carmen es conocido a lo largo del mundo. Su imagen fue satirizada, y su estilo es popular entre drag queens. Su imagen además fue utilizada en dibujos animados. El estudio de animación de Warner Brothers parecía estar bastante centrado en la imagen de la actriz; el animador Virgil Ross la usó en el cortometraje Slick Hare, protagonizado por Bugs Bunny, quien escapa de Elmer Gruñón escondiéndose en el sombrero.

Tributos musicales y referencias serias son poco frecuentes. El disco Batuque del cantante brasileño Ney Matogrosso presenta varias canciones de Carmen en su propio estilo. Caetano Veloso hizo un tributo a Carmen cuando grabó Disseram que eu voltei americanizada en el disco en vivo Circuladô Vivo de 1992. Además analizó su legado en un artículo del New York Times.

El autor brasileño Ruy Castro escribió una biografía de Carmen Miranda titulada "Carmen after four years of interviews", publicada el 2005 en Brasil.

Los visitantes de Río de Janeiro pueden encontrar un museo dedicado a Carmen Miranda en el barrio Flamengo de la Avenida Rui Barbosa. El museo incluye varios trajes originales, y escenas de películas. Hay otro museo dedicado a ella en Marco de Canaveses, Portugal llamado "Museu Municipal Carmen Miranda", con varias fotografías y uno de sus famosos sombreros. Fuera del museo hay una estatua de Carmen Miranda.

El 25 de septiembre de 1998, una plaza en Hollywood fue nombrada Carmen Miranda Square en una ceremonia dirigida por Johnny Grant, quien además fue uno de los amigos de la cantante durante el periodo de la Segunda Guerra Mundial. El acto fue apoyado por Jean Chakanaka y la sobrina de Carmen Miranda, Cheryl Cunha, escritora, cantante y artista que adoptó el nombre "Miranda" con el cual interpreta varias canciones en honor a su tía. El cónsul de Brasil Jorió Gama estuvo presente, al igual que miembros de Bando da Lua, la primera banda de Carmen Miranda.

Carmen Miranda Square es una de las doce plazas en Los Ángeles que tienen el nombre de algún artista famoso. La plaza está ubicada en la intersección de Hollywood Boulevard y Orange Drive a través del Grauman's Chinese Theatre. La ubicación fue elegida no solo porque las huellas de Miranda estén en la colección del teatro, sino que en recuerdo de una presentación cerca de la intersección del Hollywood Boulevard en el V-J Day.
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