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ACTORES Y ACTRICES DE TODOS LOS TIEMPOS

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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:10 am     Responder citando

Warren Beatty




Henry Warren Beaty (n. 30 de marzo de 1937), actor, productor, guionista y director de cine estadounidense.

Sus películas más interesantes constituyen una aguda reflexión sobre los valores de la sociedad de su país.

Hermano menor de la actriz Shirley MacLaine, nació en Richmond (Virginia). Después de abandonar la Universidad Northwestern, estudió interpretación con Stella Adler en Nueva York. Trabajó en el teatro y la televisión hasta que debutó en el cine —ya como protagonista— con Esplendor en la hierba (1961, de Elia Kazan). Entre sus primeras películas sobresalen Su propio infierno (1962, de John Frankenheimer) y Acosado (1965, de Arthur Penn). En 1967 se hizo famoso con Bonnie and Clyde, también de Penn, interpretación que le valió su primera nominación al Oscar. Sus mejores trabajos en esos años fueron en los largometrajes Los vividores (1971, de Robert Altman) y El último testigo (1974, de Alan J. Pakula), tras lo cual intentó asumir el control creativo de sus películas. Un ejemplo de ello fueron Shampoo (1975, de Hal Ashby), la comedia El cielo puede esperar (1978), nominada a nueve premios Oscar, y Rojos (1981), ambas dirigidas por él mismo. Esta última es una recreación histórica de la vida del periodista John Reed por la que ganó un Oscar a la mejor dirección y el aplauso de la crítica. Hasta su matrimonio con la actriz Annette Bening, Beatty había tenido la reputación de ser el amante y el soltero más codiciado de Hollywood.

Durante las décadas de 1980 y 1990 ha desarrollado proyectos para otros directores, como el fracaso crítico y comercial Ishtar (1987, dirigida por Elaine May) o la adaptación del cómic Dick Tracy (1990), en la que también intervino junto a la cantante Madonna. En 1991 protagonizó junto a Annette Bening Bugsy, de Barry Levinson, retrato de un gángster de Hollywood que obtuvo varias nominaciones al Oscar. Más tarde trabajó de nuevo con Bening en Un asunto de amor (1994, de Glenn Gordon Caron), nueva versión de la producción de 1939 Tú y yo, de Leo McCarey. De 1998 es Bulworth, una sátira política dirigida y protagonizada por él mismo.
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:13 am     Responder citando

Lee Remick




Lee Remick (14 de diciembre de 1935 - 2 de julio de 1991) fue una actriz estadounidense. Nació en Quincy, población cercana a Boston, en el estado de Massachusetts. Sus padres se divorciaron cuando tenía aún pocos años y fue a vivir con su madre a Nueva York. En el colegio ya tomó clases de actuación y después estudió interpretación en el Barnard College y en el famoso Actor's Studio. Terminados sus estudios comenzó a trabajar en el teatro y también en televisión.

En 1957 consiguió su primer papel en el cine, en la película A Face in the Crowd, de Elia Kazan. Dos años después se convirtió en estrella a raíz de su papel de protagonista junto a James Stewart en Anatomía de un asesinato, de Otto Preminger. En 1962 obtuvo una nominación al Oscar como mejor actriz principal por su papel de esposa que es empujada por su marido hacia el alcoholismo en Días de vino y rosas, un film de Blake Edwards con Jack Lemmon en el papel de co-protagonista.

Después de participar en otras películas de cine y también de televisión, en 1970 Remick se fue a vivir a Inglaterra, donde hizo varias películas. En 1976 es de especial recordación su papel como la esposa del personaje interpretado por Gregory Peck en el popular y clásico film de terror La Profecía.

Ya de regreso en los Estado Unidos, formó en 1988 una propia compañía productora con dos socios, uno de los cuales fue el conocido actor James Garner. En los últimos años se dedicó sobre todo a la pequeña pantalla, para la que hizo películas y mini-series. Más de la mitad de los filmes en los que intervino a lo largo de su carrera eran para la televisión, medio en el que fue una actriz especialmente popular y apreciada.

Remick estuvo casada en dos ocasiones. La primera durante once años, tras los cuales el matrimonio se divorció. La segunda durante 21 años. De su primer matrimonio Remick tenía dos hijos. Falleció en Los Ángeles a los 55 años de edad, de un cáncer de hígado y de riñón.
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:19 am     Responder citando

Gregory Peck



Eldred Gregory Peck (n. 5 de abril de 1916 - m. 12 de junio de 2003), conocido como Gregory Peck, fue un actor estadounidense ganador del premio Oscar.

Eldred Gregory Peck nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia anglo-irlandesa y Bernice Mae Ayres, de ascendencia escocesa. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió al catolicismo después de casarse. A pesar de ese estricta vida centrada en el catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine. De padre farmacéutico, se propuso estudiar Medicina, pero abandonó la idea en la Universidad de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con obras como The morning star o The Willow and I.

En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut cinematográfico se produjo con "Days of Glory" (1944), película dirigida por el director francés Jacques Tourneur. El éxito le llegó con con su segunda película, "Las llaves del reino" (1944), de John M. Stahl, por la cual fue nominado al Oscar por primera vez. En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista de Recuerda, coprotagonizada por Ingrid Bergman, y dos años más tarde conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final de Duelo al sol de King Vidor, (1947), con Jennifer Jones. Actor de recursos limitados, pero sobrio y eficaz, intervino en westerns, comedias, películas bélicas, costumbristas, etc. Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: La barrera invisible (1947); Cielo amarillo (1948); El mundo en sus manos (1952); Vacaciones en Roma (1953); Horizontes de grandeza (1958); La hora final, El cabo del terror (1962); Matar un ruiseñor (1962), por la que ganó un Óscar; Arabesco (1966); El oro de Mackenna (1969); Yo vigilo el camino (1970), La profecía, Los niños del Brasil (1978) y The Scarlet and the Black (1983). Una de sus más logradas interpretaciones fue la del capitán Akhab en Moby Dick, dirigida por John Huston en 1956. Se mantuvo como estrella de Hollywood de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico en los setenta. Sin embargo, es uno de los pocos mitos clásicos de Hollywood que se ha mantenido en activo hasta finales del siglo XX.


Fue nominado para el Oscar por Las llaves del reino (1944) de John M. Stahl, El despertar (1946) de Clarence Brown, La barrera invisible (1947) de Elia Kazan y Almas en la hoguera (1949) de Henry King, pero no consiguió la preciada estatuilla hasta Matar un ruiseñor, de Robert Mulligan, en 1962. También recibió el Premio Donostia a toda su carrera en el Festival de cine de San Sebastián.

En 1942 contrajo matrimonio con Greta Rice, de la que terminó divorciándose en 1955 para contraer segundas nupcias con la periodista francesa Veronique Passani.

En sus últimos años estuvo muy vinculado a la vida cultural de Los Angeles, al frente de uno de los programas de la biblioteca de esta ciudad para promocionar la lectura. Peck estuvo al frente de numerosas obras de caridad y movimientos políticos. Presidió la Sociedad Americana del Cáncer, el Instituto Americano del Cine y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:24 am     Responder citando

Shirley MacLaine



Shirley MacLean Beaty (n. 24 de abril de 1934), conocida como Shirley MacLaine, es una actriz estadounidense de cine y teatro ganadora de los premios Oscar y Globo de Oro. Aparte de sus interpretaciones, se le conoce también por su devoción en la creencia de la reencarnación. También ha escrito numerosas obras autobiográficas, la mayoría de las cuales tratan sobre sus creencias new age como el solipsismo así como su carrera en Hollywood. Es la hermana mayor de Warren Beatty.

Llamada en honor de Shirley Temple, MacLaine nació en Richmond (Virginia) de padre estadounidense de origen inglés y madre canadiense de origen irlandés y escocés. Su familia seguía la creencia bautista. MacLaine creció en Waverly (Virginia), se graduó en educación secundaria y se trasladó a Nueva York para vivir su sueño de ser actriz de Broadway.

Su primer sueño de la infancia era ser una bailarina. Acudió a clases de ballet fervorosamente durante toda su juventud; no faltó a ninguna. Siempre que representaban una pieza, ella interpretaba el papel de chico, debido a que era la más alta del grupo. Estaba tan decidida y tan empeñada en ser bailarina que su pesadilla recurrente durante la infancia era que perdía el bus hacia la clase.

Finalmente consiguió interpretar el papel de hada madrina en Cenicienta y mientras calentaba entre bastidores, se rompió su tobillo. Muchos se retirarían en esta particular situación, pero ella estaba tan decidida que simplemente se ató fuertemente sus lazos de los tobillos a sus zapatos de punta descubierta y continuó con el espectáculo. Después de acabar, llamó a una ambulancia.

Finalmente, MacLaine decidió que el ballet profesional no era para ella. Dijo que no tenía realmente el tipo adecuado de cuerpo y que no quería privarse de la comida. Tampoco sus pies eran suficientemente buenos (no tenía el empeine y el arco muy altos), ni era «una belleza exquisita». En este punto, decidió cambiar de objetivo y centrarse en el teatro.

Consiguió su meta cuando se convirtió en actriz suplente de Carol Haney en The Pajama Game; Haney se rompió su tobillo, y MacLaine le reemplazó.

Unos pocos meses después, con Haney aún fuera de servicio, el director-productor Hal B. Wallis, que estaba entre el público, tomó nota de MacLaine, y la contrató para que fuera a Hollywood a trabajar para Paramount Pictures.

Más tarde, Shirley demandaría a Wallis sobre una disputa contractual, un pleito que se cree que ayudó a erradicar el antiguo estilo de gestión de actores por parte de los estudios.

Su primera película fue Pero...¿Quién Mató A Harry?, de Alfred Hitchcock, en 1955. Su carrera en el cine está ahora en su quinta década; al no haber basado su éxito en la belleza, MacLaine ha podido prolongar su actividad sin sufrir el trastorno que supone envejecer.

MacLaine fue nominada al Premio Oscar a la mejor actriz cinco veces: en 1958 por Some Came Running, en 1960 por El apartamento, en 1963 por Irma la dulce, en 1977 por Paso decisivo y en 1983 por La fuerza del cariño (Terms of Endearment), película con la que finalmente ganó. En 1975, también recibió una nominación por el mejor documental corto por su documental The Other Half of the Sky: A China Memoir.

Recientemente apareció como la abuela maternal de Cameron Diaz y Toni Collette en En sus zapatos, y actualmente (2008) rueda una coproducción europea, en formato teleserie, encarnando a Coco Chanel.

MacLaine estuvo casada con el hombre de negocios Steve Parker hasta 1982. Tuvieron una hija, Sachi Parker (n. 1956). Shirley se divorció después de saber que Steve le había mentido sobre su infancia en Japón, y que había transferido todo el dinero de ella a la cuenta bancaria de su amante japonesa durante estos años.

En los círculos políticos, MacLaine es conocida por su antigua relación con Andrew Peacock, un antiguo aspirante a Primer Ministro de Australia por el Partido Liberal que más tarde fue nombrado embajador de los Estados Unidos. También tiene una amistad cercana con el diputado de Ohio, Dennis Kucinich, que fue un candidato por los demócratas en las primarias presidenciales de 2004.

Durante algún tiempo, MacLaine expresó su creencia de que era una encarnación de una princesa inca, debido a sus prácticas esotéricas acerca de la reencarnación. También hizo el Camino de Santiago en España, levantando expectación.

MacLaine encontró su camino en muchos libros de casos de la escuela de Derecho cuando demandó a la 20th Century Fox por incumplimiento de un contrato. Ella iba a interpretar un papel en una película titulada, Bloomer Girl, pero la producción fue cancelada.

Twentieth Century-Fox le ofreció un papel en otra película, Big Country, Big Man, para intentar salir de su obligación contractual de pagarle por la película cancelada. El rechazo de MacLaine llevó a una apelación por la Twentieth Century-Fox a la Corte Suprema de California en 1970, donde la Corte dictaminó en contra de ellos. Parker v. Twentieth Century-Fox Film Corp., 474 P.2d 689 (Cal. 1970).
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:29 am     Responder citando

Doris Day




Doris Mary Ann von Kappelhoff, más conocida como Doris Day (Evanston, Ohio, 3 de abril de 1924) es una actriz cantante y defensora de los derechos de los animales, estadounidense. Fue una de las actrices más prolíficas durante los años 50 y 60. Capaz de cantar, bailar e interpretar papeles tanto de comedia como dramáticos, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante mediados del siglo XX.

Day nació con el nombre de Doris Mary Ann von Kappelhoff en Evanston, Ohio, hija de inmigrantes de origen germano. La menor de dos hijos, fue llamada "Doris" por la actriz del cine mudo Doris Kenyon. De religión católica,sus padres se divorciaron siendo ella una niña. Posteriormente ella adoptaría las creencias de la Ciencia Cristiana.

Ya desde pequeña Day empezó a bailar ganando un contrato que le permitió, con tan sólo doce años, viajar a Hollywood, California con su compañero, Jerry Doherty. A los 16 años Doris sufrió un accidente automovilístico que le impidió cumplir sus sueños de ser bailarina, por lo que se concentró en el canto y en la actuación. Cantó con las big bands de Barney Rapp, Bob Crosby y Les Brown, antes de crear la suya propia a finales de los años 40. Su nombre profesional se lo sugirió Barney Rapp, quien la convenció de que "Kappelhoff" era un nombre difícil y le sugirió "Day" por la canción "Day after Day" que era parte de su repertorio. A ella nunca le ha gustado el nombre "Doris Day", ya que piensa que suena a nombre de stripper; sin embargo, su nombre siempre ha estado asociado a una imagen de inocencia.

Junto a Brown, consiguió doce éxitos musicales, entre ellos sus dos primeros números 1: "Sentimental Journey" y "My Dreams Are Getting Better All the Time". Ya en solitario, consiguió otros números 1 tales como "Secret Love".

Day actuó en muchas películas, en muchas de la cuales cantaba. Comenzó su carrera cinematográfica en los musicales, comenzando en 1948 con la película "Romance on the High Seas"; en la audición para este papel tuvo que enfrentarse a más de cien actrices, algunas de ellas figuras de la época. A esta película le siguieron otros musicales como "Starlift", "By the Light of the Silvery Moon" o "Tea for Two" para la Warner. En 1953 interpretó "Calamity Jane" cuyo título en castellano fue "La liga de oro", película que ganó el Oscar a la mejor canción original por "Secret Love".

En 1955, recibió algunas de las mejores críticas de su carrera artística por la interpretación de la cantante Ruth Etting en "Quiéreme o déjame", junto a James Cagney. Además de Cagney, Day ha compartido cartel con algunas de estrellas masculinas más importantes de Hollywood, como James Stewart, Cary Grant, David Niven o Clark Gable.

En la película de 1956 de Alfred Hitchcock "El hombre que sabía demasiado", cantaba la canción "Whatever Will Be (Que Sera, Sera)", que ganó el Oscar. Según cuenta Jay Livingston (autor de la canción junto a Ray Evans), Day prefería otra canción de la película, "We'll Love Again", e intentó no grabar la canción "Que Sera, Sera". Cuando los estudios le obligaron a grabarla, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo de Livingston, "Es la última vez que oirás esta canción". "Que Sera, Sera" se convirtió en la canción identificativa de Day, usado en su película "No os comáis las margaritas" y en la canción de cabecera de su programa de televisión. La canción fue versionada por Sly & the Family Stone en 1973.

En 1959, Day empieza a interpretar papeles en comedias románticas, comenzando con la popular "Confidencias de medianoche" junto a su pareja cinematográfica por excelencia y gran amigo, Rock Hudson. La película fue todo un éxito tanto de crítica como en taquilla, y le proporcionó a Day su única candidatura a los Premios Oscar en la categoría de mejor actriz. Day y Hudson hicieron otras dos películas juntos ("Pijama para dos" y "No me mandes flores"), trabajó junto a Cary Grant en "Suave como el visón" en 1962, y junto a James Garner hizo otras dos películas, empezando con la cinta de 1963 "Su pequeña aventura".

A pesar del paso del tiempo y del cambio de gustos del público, Day se quedó estancada en el mismo tipo de películas. La crítica y el público comenzó a cansarse de la películas que interpretaba. Siguiendo los consejos de su tercer marido, Marty Melcher, interpretó "Capricho" (1967) junto a Richard Harris, y que según la propia actriz es una de sus peores interpretaciones. También asesorada por su marido, Day rechazó el papel de Mrs. Robinson en "El graduado" (papel que fue a parar a manos de Anne Bancroft).

A la muerte de Melcher, Doris descubrió que éste había despilfarrado toda la fortuna de la actriz, dejándola en la quiebra. Doris demandó a Jerry Rosenthal, socio de su marido, por posible estafa, ganándole la demanda y haciéndole pagar una cantidad de 20 millones de dólares.

Además, también descubrió que su difunto marido había firmado un contrato para que la actriz realizará una serie de televisión. Entre 1968 y 1973, protagonizó su propia sitcom, "The Doris Day Show", que tenía como canción de cabecera el tema "Que Sera, Sera". Desde que terminó la serie, ha estado prácticamente retirada del mundo del espectáculo.

Una memorable actuación fue la que hizo al lado de Kirk Douglas en "A Young Man with a Horn", en la cual aparece como villana Lauren Bacall y en la que Jarry James interpreta la trompeta que simulaba tocar Kirk. El filme no tuvo mucho éxito comercial pero es memorable por las interpretaciones de Jamesy las actuaciones de Doris y Kirk.

Doris Day ha estado casada cuatro veces:

1º Con Al Jordan, músico al que conoció en la banda de Barney Rapp, desde marzo de 1941 hasta 1943. Day tenía por entonces 17 años, y su único hijo, Terry, nació de este matrimonio. El músico se suicidó después del divorcio.

2º Con George Weidler, saxofonista, estuvo casada entre marzo de 1946 y mayo de 1949. Weidler fue el que hizo que Day se convirtiera a la Ciencia Cristiana.

3º Con Marty Melcher, se casó el día de su 27 cumpleaños. Este matrimonio duró bastante más que sus dos anteriores. Melcher adoptó a Terry (convirtiéndose en Terry Melcher), y produjo muchas de las películas de la actriz. El matrimonio terminó en abril de 1968 con la muerte de Melcher.

4º Con Barry Comden, desde abril de 1976 hasta 1981. Comden es el único de sus maridos que no estaba relacionado con el mundo del espectáculo.
En noviembre de 2004, su hijo Terry murió debido a complicaciones asociadas a un melanoma. Tenía 62 años


Curiosidades

En 1970, el nombre de Doris Day fue mencionado en la canción Dig it, del LP Let it Be, de Los Beatles

En 1972, el nombre de Doris Day fue incluido en una de las canciones del musical "Grease" junto al de Sandra Dee.

En 1985, Day presentó su propio talk show, "Doris Day's Best Friends". El programa saltó a la fama cuando el viejo amigo de la actriz Rock Hudson apareció en su primera emisión. Day se quedó sorprendida por el aspecto demacrado del actor, ya que él siempre había estado en perfectas condiciones físicas. Poco después, se anunció que el actor estaba enfermo de SIDA.

En 1987, fundó la organización "Doris Day Animal League", en la que actualmente dedica la mayor parte de su tiempo.

En 2004 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad aunque no acudió a la ceremonia de recepción debido a su miedo a volar. Por esa misma razón, ha rechazado un Oscar Honorífico
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 10:36 am     Responder citando

James Stewart



James Maitland Stewart (20 de mayo de 1908 – 2 de julio de 1997), popularmente conocido como Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un acto de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Oscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla. Durante el transcurso de su carrera actuó en varias películas consideradas clásicos y fue nominado cinco veces al Premio Oscar, ganando una vez en compentencia y recibiendo uno por su trayectoria. También tuvo una notable carrera militar alcanzando el grado de Brigadier General en la Fuerza aérea de los Estados Unidos.

Nació en Indiana, Pennsylvania cerca de Pittsburgh, inicialmente persiguió una carrera como arquitecto antes de ser atraído por el teatro en la Universidad de Princeton. Sus primeros éxitos vinieron como actor en el teatro de Broadway, antes de realizar su debut en Hollywood en 1935. La carrera de Stewart llegó a tener gran reconocimiento después de sus bien-recividas películas del director Frank Capra, incluyendo su rol que lo nominó al Premio de la Academia en Mr. Smith Goes to Washington. A través de sus siete décadas en Hollywood, Stewart ccultivó una carrera versátil y reconocida en el cine con clásicos tales como The Philadelphia Story, Harvey, It's a Wonderful Life, Rear Window, Rope, y Vertigo. Es el actor más representatico de la lista de AFI's 100 Years... 100 Movies (10th Anniversary Edition). Desde el 2007, 10 de sus películas han sido incluídas en el United States National Film Registry.

Stewart dejó su marca en una amplia gama de géneros de cine, incluyendo comedias screwball, westerns, biográficos, suspense thrillers y películas familiares. Trabajó para numerosos directores reconocidos posteriormente en sus carreras, como Alfred Hitchcock, John Ford, Billy Wilder, Frank Capra y Anthony Mann. Ganço muchos de los honores más grandes de la industria y logró el Premio a la Trayectoria de todas las grandes organizaciones del cine. Falleció en 1997, dejando detrás de si un legado de interpretaciones clásicas, y es considerado uno de los mejores actores de la Época Dorada de Hollywood." Fue nombrado el tercer Mejor Actor de Todos los Tiempos por la American Film Institute.

James Maitland Stewart nació el 20 de mayo de 1908 en Indiana, Pennsylvania, hijo de Elizabeth Ruth (apellido de soltera: Jackson) y Alexander Maitland Stewart, dueño de una ferretería. Ambos eran presbiterianos y de origen escocés.. Sus ascendientes Jackson participaron el la Revolución estadounidense, la guerra de 1872 y la Guerra civil.El mayor de tres hijos (tuvo dos hermanas menores, Virginia y Mary), esperaban que continuase el negocio de su padre, que había estado en la familia durante tres generaciones.

Su madre era una pianista excelente pero su padre desalentaba a su hijo cuando este quería tomar lecciones. Cuando su padre aceptó un acordeón regalado por un amigo Stewart rápidamente aprendió a tocar el instrumento, lo que seguiría haciendo durante su carrera después de las actuaciones. Al crecer la familia la música continuó teniendo una parte importante en ella.

Fue un joven tímido, Stewart pasó gran parte de su tiempo después del colegio trabajando en el sótano de la casa en modelos de aviones, dibujos mecánicos y química — teniendo en mente el sueño de ser piloto. Pero abandonó sus sueños de convertirse en piloto cuando su padre insistió que en lugar de ir a la Academia Naval ingresara a la Universidad de Princeton. Stewart se matriculó en 1928 como miembro de la Clase de 1932. Antes se había graduado de la preparatoria Mercersburg Academy.

En Mercersburg, Stewart participó activamente en diversas actividades. Jugó en el Equipo de football y el te atletismo. Fue director de arte del anuario KARUX y miembro del club de coro, de música glee, y de la Sociedad Literaria John Marshall. Durante sus primeras vacaciones de verano, Stewart regresó a Indiana Pennsylvania para trabajar como cargador de ladrillos para una compañía de construcción local eb la construcción de carreteras y caminos donde el pintaba las líneas en el camino. En los siguientes dos veranos tomó un trabajo como asistente de un mago profesional. También realizó su primera aparición en teatro en Mercersburg, como Buquet en la obra The Wolves.

En Princeton, Stewart sobresalió estudiando arquitectura, impresionando de tal manera a su profesor con su tesis sobre el diseño de un aeropuerto que se le otorgó una beca para estudios de post-grado, pero gradualmente se sintió atraído por los clubes de drama y música de la escuela, incliyendo el famoso Princeton Triangle Club. Fue miembro de Princeton Charter Club así como un cheerleader. Durante sus tiempos libres se entretenía yendo al cine en la época en que el cine sonoro estaba recién reemplazando al cine mudo.

Sus talentos en la actuación lo llevaron a ser invitado a los University Players, un club de actuación de músicos y "thespians" de la Ivy League, con Joshua Logan como director y Margaret Sullavan como la actriz principal. Stewart inmediatamente se sintió atraído por ella, pero Sullavan pronto dejría al grupo para su debut en Broadway en A Modern Virgin. Después de graduarse interpretó pequeños papeles en el verano de 1932 en las producciones en Cape Cod de Players, cuando se unió a la tropa que incluía a Henry Fonda y Sullavan (quienes súbitamente decidieron contraer matrimonio). Stewart se mudó a la Ciudad de Nueva York en el otoño para convertirse en actor, con la esquiva aprobación de su padre, donde compartió un departamento con Henry Fonda, puesto que se había divorciado rápidamente de Sullavan, y con Joshua Logan. En noviembre, Stewart fue contratado para su primer gran producción tatral como un chauffeur en la comedia Goodbye Again en Broadway, teniendo solo dos lineas. The New Yorker destacó, "El Sr. James Stewart como chauffeur... aparece solo por tres minutos y se va del escenario rodeado de espontáneos aplausos."

TLa obra tuvo un éxito moderado pero la época era complicada. Muchos teatros en Broadway habían sido convertidos en pequeños cines y la depresión estaba llegando a su peor momento. "Desde 1932 hasta 1934", Stewart recordó posteriormente, "Solo trabajé tres meses. Todas las obras en las que estaba cerraron." Para 1934, obtuvo roles teatrales con más substancia, incluyendo el exitoso, Page Miss Glory, y su primer rol dramático teatral en Yellow Jack de Sidney Howard, que lo convenció de proseguir en su carrera como actor. Sin embargo, Stewart y Fonda, todavía compañeros de cuarto, estaba luchando.

En el otoño de 1934, el éxito de Fonda en The Farmer Takes a Wife lo llevó a Hollywood. Finalmente, Stewart atrajó el interés del busca talentos de MGM Bill Grady quien vio a Stewart en la noche de estreno de Divided by Three, una première glamorosa que incluía entre el público a luminarias como Irving Berlin y Moss Hart y su amigo Fonda quien había regresado a Nueva York para ver el espectáculo. Con el apoyo de Fonda, Stewart accedió a probarse para la pantalla y firmó un contrato con MGM en abril de 1935, como un actor contratado hasta por siete años con un sueldo de $350 semanales.

Al llegar por tren a Los Angeles, Fonda le dio la bienvenida a Stewart en la estación y lo llevó a su departamento suministrado por el estudio, al lado de Greta Garbo.

Participó en la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a simbolizar al estadounidense patriota, honorable y severo. Durante el conflicto, en lugar de dedicarse a tareas propagandísticas eligió convertirse en piloto de bombardero. Sus dotes de mando le llevaron a ser uno de los pocos norteamericanos que pasaron de soldado a coronel en menos de cuatro años. Tras la guerra continuó su servicio en la reserva, llegando a ostentar el rango de general de brigada.

En 1949 contrajo matrimonio por primera y única vez con Gloria Hatrick McLean, con la que tuvo cuatro hijos.

Trabajó con los directores más importantes, y su versatilidad como intérprete le permitió abordar muy diversos géneros. Intervino en más de ochenta filmes, siendo recompensado con cinco nominaciones a los Premios Oscar, de las que consiguió dos estatuillas (una como mejor actor, y otra como homenaje por toda su carrera). También fue galardonado con la Copa Volpi del Festival de Cine de Venecia, el Oso de Plata, del Festival de Cine de Berlín, y dos Globos de Oro, entre otros.

Apareció en 92 películas desde los inicios de la carrea de James Stewart en 1935 hasta sus últimos proyectos en el teatro en 1991, televisión y cortos. En el transcurso de su ilustrada carrera, apareció en muchas películas exitosas y aclamadas por la crítica, incluyendo clásico tales como Mr. Smith Goes to Washington, The Spirit of St. Louis y Vertigo. Sus roles en Mr. Smith Goes to Washington, The Philadelphia Story, It's a Wonderful Life, Harvey, y Anatomy of a Murder le valieron nominaciones al Premio de la Academia (ganó el premio a mejor actor secundario por Philadelphia Story). La carrera de Stewart deafió los límites de género y tipo, y dejó su marca en las comedias screwball, los trhilllers de suspenso, los westerns, las biografias y las películas familiares.
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Smile curioso que doris day, simbolo de la "pureza" de la mujer norteamericana de los años cincuenta, se haya casado cuatro veces.
me encanta su pelicula "pijama para dos " con rock hudson, james stewart es uno de mis favoritos , borda casi todas sus peliculas, me encanta "la ventana indiscreta".
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 1:40 pm     Responder citando

Eso mismo pienso yo. Una mujer cuya imagen es tan cándida y tan adorable con una vida personal tan ajetreda.
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 1:49 pm     Responder citando

Cantinflas



Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (n. 12 de agosto de 1911 - m. 20 de abril de 1993), "Cantinflas" como se le conocía mundialmente, fue un célebre comediante del teatro mexicano y de la industria cinematográfica, además de torero cómico y ganadero de reses bravas. Es considerado el mejor cómico mexicano de todos los tiempos.

Ganó una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas, un vago salido de los barrios pobres que se originó del típico pelado. El personaje se asoció con la identidad nacional de México y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood. Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de "peladito", lo tomó del comediante veracruzano Eduardo Rugama "el chato". Charlie Chaplin una vez lo llamó "el mejor comediante del mundo" y Mario Moreno a veces es referido como el "Charlie Chaplin de México". Mientras que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés para las audiencias estadounidenses y su trabajo fue bien recibido entre la gente de Francia, el juego de palabras que usaba en español no se traducía bien a otras lenguas. Sin embargo, tuvo un estruendoso éxito en Latinoamérica, donde todavía tiene muchos admiradores devotos.

Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno ayudó a su crecimiento en la época de oro. Su éxito, como parte del floreciente cine mexicano, ayudó a convertir a México en la capital americana del entretenimiento. Además de ser un líder en los negocios, también llegó a involucrarse en los difíciles y a veces peligrosos asuntos de política de México. Aunque él mismo era políticamente conservador, su reputación como portavoz de los desprotegidos le dio a sus acciones autenticidad y se convirtió en alguien importante en la lucha contra el charrismo sindical, que era la práctica del gobierno de un sólo partido de manejar y controlar los sindicatos.

Además, su personaje Cantinflas, cuya identidad se mezcló con la de él, fue analizada por los críticos de los medios de comunicación, filósofos, antropólogos y lingüistas, quienes lo veían como un peligro para la sociedad mexicana, una marioneta burguesa, un tipo de filántropo, un capitalista aventurero, un violador de los papeles del sexo, un católico pío, un innovador verbal y un payaso picaresco.

En efecto, Mario Moreno era todo eso. Su personaje Cantinflas, en su intento por abarcar la identidad de toda una nación, desarrolló las contradicciones y complejidades inherentes en cualquier intento de representar a un país tan complejo y contradictorio como lo es México.

Fue el sexto de doce hijos. Cuatro de ellos murieron debido a malpartos. Ocho sobrevivieron, José "Pepe", Eduardo, Mario, Esperanza, Catalina, Enrique y Roberto. Padres: señor Pedro Moreno Esquivel, un humilde cartero y la señora Soledad Guízar Reyes de Moreno. Fortino Mario Alfonso Moreno nació en el barrio de Santa María la Redonda en la ciudad de México, y creció en el barrio bravo de Tepito. Pudo salir adelante de situaciones difíciles usando la audacia y trucos callejeros que después aplicaría en sus películas. Después de un intento fallido de entrar a los Estados Unidos por California, se convirtió en boxeador para ganarse la vida. Su personalidad cómica lo llevó a las carpas de los circos y de ahí pasó al teatro y al cine.

Se casó con Valentina Ivanova Zubareff, de origen ruso, el 27 de octubre de 1936 y permaneció con ella hasta su muerte en 1966. Mario Moreno tuvo un hijo en 1961 y fue adoptado por Valentina Ivanova y lo nombró Mario Arturo Moreno Ivanova.

Sirvió como presidente de la ANDA "Asociación Nacional de Actores" y fue el primer secretario general del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) ademas entra a la Masoneria mexicana.

Después de retirarse, Mario Moreno dedicó su vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de organizaciones humanitarias sobre todo las que se dedicaban a ayudar a los niños. Sus contribuciones a la Iglesia Católica Romana y a los orfanatos lo hicieron un héroe del pueblo en México.

Murío a causa del cáncer de pulmón el 20 de abril de 1993, miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su funeral. La ceremonia fue un evento nacional que duró tres días. Sus cenizas yace en la cripta familiar de la familia Moreno Reyes , en el Panteón Español de la Ciudad de México y ha sido homenajeado por muchos jefes de estado y por el Senado de los Estados Unidos, que mantuvo un momento de silencio por él.

Después de su muerte, comenzó una batalla legal entre su hijo y legítimo heredero, Mario Moreno Ivanova, y el sobrino del actor, Eduardo Moreno, sobre el control de 34 películas hechas por Cantinflas. El sobrino sostenía que su tío le había dado permiso escrito para tomar los derechos de las películas cuando estaba en su lecho de muerte. Moreno Ivanova argumenta que es el heredero directo de Cantinflas y por lo tanto los derechos le pertenecen. Eduardo Moreno ganó la demanda en dos ocasiones pero Moreno Ivanova triunfó eventualmente luego de dos apelaciones.

Al mismo tiempo, otra demanda surgió entre Columbia Pictures y Mario Ivanova sobre el control de esas películas. Columbia dice que compró los derechos de las películas hace cuatro décadas en una corte que notó varios errores en los documentos. Moreno Ivanova quería que los derechos quedaran en su poder y, más generalmente, en el poder de México, como tesoro nacional. El 2 de junio del 2001, luego de 8 años de batalla, finalmente Columbia se quedó con los derechos de las 34 películas disputadas

De joven, Mario Moreno realizaba una variedad de actos en carpas rodantes, y fue en ellas donde recibió el apodo de "Cantinflas"; sin embargo, el origen del nombre se pierde en la leyenda. Según un obituario, es un nombre sin significado alguno que fue inventado a fin de evitar que sus padres se enteraran que trabajaba en el negocio del entretenimiento, al que consideraban una ocupación avergonzante. En otra versión, el crítico de medios de comunicación, Carlos Monsiváis cita el legendario origen del discurso del personaje:

"De acuerdo a una leyenda con la que él está de acuerdo, el joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una vez en la carpa Ofelia olvidó su monólogo original. Comenzó a decir lo primero que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo que sale es una brillante incoherencia. Los asistentes lo atacan con la sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica distintiva, el estilo que es la manipulación del caos. Semanas después, se inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin sentido grita: "cuánto inflas" o "en la cantina inflas", la contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje necesita".

Antes de comenzar su vida profesional dentro del entretenimiento, exploró un número de posibles carreras como la medicina y el boxeo profesional antes de unirse al mundo del entretenimiento como bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la ciudad de México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y jugaba el papel de varias profesiones.


En 1936, Mario Moreno hizo su debut en el teatro Folies Bergère de la ciudad de México. Habiendo dejado el ambiente de clase baja que tenía un humor más básico, el cantinflismo, la broma política que retaba la noción de que el humor de Cantinflas era vacío, había nacido. En 1937, el político Vicente Lombardo Toledano le respondió a su rival político: "Si Morones ha decidido mostrar su poder dialectal, que discuta con Cantinflas". Estando directamente involucrado en el debate, Cantinflas respondió:

"Ah, pero déjenme dejar algo bien en claro, tengo momentos de lucidez y hablo muy claro. Y ahora hablaré con claridad... Amigos, hay momentos en mi vida que son realmente momentáneos y no es porque uno lo diga, pero hay que verlo...¿Qué vemos? lo que hay que ver... porque que coincidencia amigos, que suponiendo que en este caso -no digamos lo que podría ser- pero debemos pensar en ello y y entender la psicología de vida para hace una analogía de la síntesis de la humanidad, ¿correcto? Bien, ese es el punto".

Figuras de la comunicación e intelectuales incluyeron la definición de cantinflismo en publicaciones subsecuentes. Monsiváis lo interpreta en la presidencia izquierdista de Lázaro Cárdenas llamándolo "una burla del proletariado de disparates gloriosos". Pero tal vez la definición del escritor contemporáneo Miguel Ríos sea más elocuente:

"Es como si Cantinflas fuera, más que nadie, el dictador mexicano del optimismo...coquetea con la política como si fuera el político más experimentado. Se convierte en líder y proletariado con sólo cambiarse el sombrero o una frase".

El involucramiento político de Mario Moreno fue un cambio notable y su inocencia cómica ya no era suficiente para defenderlo de la crítica que eso significó.
mediados de los años 30, Cantinflas conoció al productor ruso Jacques Gelman y posteriormente se asoció con él para formar su propia producción cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía mientras Cantinflas actuaba. Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el personaje de Cantinflas pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a la película se convirtió en el principal dicho de Cantinflas por el resto de su carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la revista Somos como una de las 10 más grandes producciones de México.

En 1941, Mario Moreno hizo primero el papel de un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya se había distinguido bastante del típico "peladito" de los años 20 y su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja al poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen positiva de la aplicación de la ley.

Ni sangre ni arena, una película satírica acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en varios países de América. En 1942 se agrupó con Miguel M. Delgado y Jaime Salvador para producir una serie de parodias de baja calidad incluyendo una interpretación de "El Circo" de Chaplin.

Los años 40s y 50s fueron los mejores para Cantinflas. En 1946 rechazó trabajar con las compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que pudo prestar su prestigio a la causa del trabajo mexicano, representando la Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Avila Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro.

El 30 de agosto de 1953, Cantinflas comenzó a llevar a cabo su obra teatral Yo Colón en el Teatro de los Insurgentes, el mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores, y el arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "blasfema" y eventualmente fue pintada sin la imagen de la virgen.

Yo Colón colocó a Cantinflas en el personaje de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "descubriendo América" hizo observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos.

En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio Globo Dorado en la categoría de mejor actor de musical o comedia, en esta cinta actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el actor mejor pagado del mundo.

La segunda película estadounidense de Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó apariciones ráfaga de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor, profundamente arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo Dorado por su actuación. Después en 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que fue El Barrendero, realizada en 1982.

Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influenciado por las primeras películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una "sombra" del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador.

Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países.

Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.

En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada "Whipstickagostop".

El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años 60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.

En los años 70s apareció una serie de dibujos animados llamado "El Show de Cantinflas" protagonizada por una caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un propósio educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.

Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.

El premio Mario Moreno "Cantinflas" es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.

En el 2002, el estadounidense - salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.

Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.

En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada "Whipstickagostop".

El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años 60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.

En los años 70s apareció una serie de dibujos animados llamado "El Show de Cantinflas" protagonizada por una caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un propósio educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.

Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.

El premio Mario Moreno "Cantinflas" es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.

En el 2002, el estadounidense - salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.

Cantinflas a veces es visto como el personaje Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos, poderosos, la policía e incluso el gobierno. El historiador y autor de Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición. Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo: "entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el siglo pasado".

Por su parte, Monsiváis interpreta sus representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el contexto del "analfabetismo reinante" de México (70% en 1930). Particularmente en la película El Analfabeto, "Cantinflas es el iletrado que toma control del lenguaje como puede".

El periodista Salvador Novo interpreta el papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de Cantinflismo: "En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es Cantinflas".\

En su biografía de la comicidad, el estudiante de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del "caos de la modernidad mexicana", una realidad que estaba fuera del alcance para la mayoría de los mexicanos. "Su lenguaje enredoso expresaba elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales, los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en nuevas formas revolucionarias'
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 1:58 pm     Responder citando

Silvia Pinal



Silvia Pinal Hidalgo (n. Guaymas, Sonora, 12 de septiembre de 1931) actriz mexicana de cine, televisión y teatro.

Inició su carrera en el cine a los 18 años en las películas Bamba y El Pecado de Laura y alternó en los años siguientes con los mejores actores del cine mexicano. En 1952, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgo el Premio Ariel Por Mejor Co-actuación en la cinta Un Rincón Cerca del Cielo. Silvia recibió dos arieles más en 1955 por Locura Pasional y en 1956 por Enemiga. Quizás su filme más famoso sea Viridiana co-producido por (su entonces esposo) Gustavo Alatriste y el español Juan Antonio Bardem. Esta película dirigida por Luis Buñuel es considerada por muchos, la mejor del cine español y ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. La mancuerna Pinal-Buñuel funcionó tan bien que trabajaron en dos filmes más: El Ángel Exterminador (1962) y Simón del Desierto (1965).
En 1968 actuó en su primera telenovela llamada Los Caudillos, historia inspirada en los eventos de la guerra de laIndependencia de México. Tuvo además un programa de espectáculos (Silvia y Enrique) en Televisa donde alternó con su entonces esposo, el cantante y actor venezolano Enrique Guzmán. Actuó después en diversas películas de cine así como programas de espectáculos y telenovelas y en 1989 inició su programa Mujer, Casos de la Vida Real que ha sido todo un suceso en Hispanoamérica y Estados Unidos. En los últimos años se ha dedicado a la producción de teatro donde actuó en la puesta en escena de la versión en español de Mame. Adquirió además su propio teatros Silvia Pinal y Diego Rivera y se ha destacado en la política en el Partido Revolucionario Institucional siendo elegida para diversos cargos de elección popular como Diputada Federal, Senadora y asambleísta del Distrito Federal en los cuales participó activamente en la defensa de la mujer y de la cultura.

Ha sido secretaria general de la Asociación Nacional de Intérpretes, Organización encargada de la gestión de cobro de regalías por retransmisiones en medios, por parte de actores e intérpretes en general. Fue esposa del controvertido político Tulio Hernández (en 1982) que fue gobernador del estado de Tlaxcala con lo que Pinal estuvo al frente del Instituto para el Desarrollo Integral de la Familia DIF.

Se ha casado varias veces, entre otras con el actor cubano Rafael Banquells (en 1947) con el cual engendró a la actriz Silvia Banquells Pinal conocida también como Silvia Pasquel (Pasquel es una combinación de Banquells y Pinal). Se divorció del actor en 1952 y se casó con el productor Gustavo Alatriste con quien engendró a la actriz Viridiana Alatriste. También estuvo casada con el cantante y actor mexicano de origen venezolano Enrique Guzmán (cantante) con el cual engendró a la cantante Alejandra Guzmán y al actor Enrique Guzmán Jr..
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MensajePublicado: 24 Apr 2008 5:28 pm     Responder citando

chicos , la pureza no es solo fisica, tambien debe ser mental.
la mujer se enamoro o creia que lo estaba...
Eso no es impureza, es estupidez....
Ahora tienen un Hotel de lujo , me parece en California, en que se aceptan los pasajeros con sus mascotas, para que no los dejen en hoteles de perro ...
Lo que mejor lo pasan son los animales que no sufren separados de sus amos. Wink
_________________
Fue el acto de soñarte que deje mi corazon perdido...
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MensajePublicado: 25 Apr 2008 7:10 pm     Responder citando

Ava Gardner



Ava Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Londres, 25 de enero de 1990) fue una actriz del cine clásico estadounidense. Se le llamó «El animal más bello del mundo», debido a su exuberante belleza y fotogenia.

Nació como Ava Lavinia Rose Gardner en Brogden, en el estado de Carolina del Norte, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco. Creció en el campo junto con sus seis hermanos, de los que ella fue la menor. Cuando terminó sus estudios escolares se había convertido ya en una joven de gran atractivo.

Unas fotos que se hizo fueron expuestas en una peluquería en Nueva York que regentaba un familiar, y que vio un directivo de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer. Al cabo de un tiempo recibió una propuesta de esa compañía y Gardner firmó un contrato.

Comenzó a intervenir en películas en 1942 (año en que se casa con Mickey Rooney), y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Bela Lugosi) o Three men in white (1944), comedia-drama de médicos en que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.

Su gran oportunidad llega en 1946 con dos títulos: el thriller "Whistle stop", en el que tiene un papel principal junto al mítico -y hoy olvidado- George Raft; y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway "Forajidos", donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y al siempre excelente Edmond O´Brien. Esta última película será la que la ponga en el mapa dentro de la industria de Hollywood.

En los siguientes años despunta en "The hucksters" (junto a Clark Gable), "Venus era mujer" (comedia más bien bobalicona pero simpática) y "Soborno" (1949, estupendo thriller dramático donde actua maravillosamente junto a Robert Mitchum, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas.

A partir de aquí, comienza su reinado como estrella encadenando producciones de gran presupuesto y medios para los estudios, y realizando memorables interpretaciones. Sobresalen: "El gran pecador" (drama moral -que no moralista- con grandes trabajos de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guión impecable, donde Ava está bellísima), "Mundos opuestos" (1949, donde la actriz encaja perfectamente en pantalla junto a los siempre magníficos James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin), "Pandora y el holandés errante" (1951, o fascinante drama onírico-vanguardista, donde Ava actuaba con Jasmes Mason y otra de sus sonadas conquistas, el torero Mario Cabré, rodando el film parcialmente en España y llenando los titulares de la prensa de la época. En esta etapa comienzan sus escalas en Madrid, sus estancias en España, sus amores con Luis Miguel Dominguín, etc), "Magnolia" (remake de 1936, sobre una legendaria obra musical de Broadway, donde la Gardner actuó con convicción y buen hacer, aunque finalmente los productores decidieran que no utilizase su propia voz, y donde trabajaba con Howard Keel y Agnes Moorehead. "Las nieves del Kilimanjaro" (su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward); "Mogambo" (1953, film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava se merendaba a la bella Grace Kelly -interpretativamente hablando- y brilla con maestría (fue justamente nominada al Oscar) al lado de un imponente Clark Gable.

"Los caballeros del rey Arturo" (clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro).

A mediados de los 50, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud, pero todavía participa en "La condesa descalza", en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth donde la Gardner da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones -si no la mejor-, acompañada nada menos que por Humphrey Bogart, y también de Edmond O´Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.

Luego llegan films de menor éxito y/o entidad pero en los que se disfruta con la presencia de la actriz: el drama romántico-de aventuras "Destinos cruzados" (junto a Stewart Granger), la comedia de origen teatral "La cabaña" (junto a David Niven), su tercer Hemingway llamado en España "Fiesta" (al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones) y el drama sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear que Stanley Kramer rodó en 1959 y donde Ava realizó una de sus mejores composiciones al lado de Gregory Peck y Fred Astaire.

Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como "el animal más bello del mundo".

Los años 60 van a cambiar todo esto, y Gardner va a ir encontrando mayor dificultad a la hora de encontrar papeles de altura.

Tres películas sobresalen de esta etapa: "55 días en Pekin" (donde realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con Charlton Heston y David Niven a su lado), "Siete días de mayo" (casi la mejor película norteamericana de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director -John Frankenheimer- donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March).

"La noche de la iguana" (dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams, en la que Ava destacó junto a Richard Burton y Deborah Kerr).

Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en películas que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: "La biblia" de John Huston, y "Mayerling" (en la que trabajó con Omar Shariff y Catherine Deneuve), por ejemplo.

A partir de 1969 Gardner se instaló en Londres, donde vivió parcialmente retirada.

Del mismo modo, en los años 70 la actriz vio reducida su actividad profesional, en parte tras rodar un par de títulos que fueron verdaderos fracasos en taquilla, y entonces entra en un franco declive, debiendo aceptar papeles de menor enjundia en cualquier pelicula o serie de TV donde la llamasen y le pagasen bien, para sobrevivir.

En su día, "El juez de la horca" y "Terremoto" no fueron grandes éxitos, pese a ser cintas dignas y bastante apreciables y pese a las buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física.

También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton, "El hombre que decidía la muerte". Por último, Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial "El pájaro azúl" (junto a Jane Fonda y Cicely Tyson), la interesante cinta de terror "La centinela" (al lado de Christina Raines y Chris Sarandon) y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso ("El secuestro del presidente", donde el susodicho era el notable Hal Holbrook).

Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como "Dardanelos" y Falcon Crest.

Ava Gardner estuvo pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes a quien rechazó su propuesta matrimonial varias veces pero del que se aprovechó de sus regalos ostentosos. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tomentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, y que fue seguramente el amor de su vida. Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron hipersectomía. Murió en Londres de una pulmonía a los 68 años de edad.
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Dirk Bogarde




Sir Derek Jules Gaspard Ulric Niven van den Bogaerde (28 de marzo de 1921 – 8 de mayo de 1999), más conocido por el nombre artístico de Dirk Bogarde, fue un consagrado y prolífico actor de carácter y además escritor británico.

Bogarde nació en West Hampstead (Londres), de ascendencia neerlandesa y escocesa. Su padre, Ulric van den Bogaerde (nació en Perry Barr, Birmingham) era el editor artístico de The Times y su madre, Margaret Niven era actriz. Se unió al ejército y participó en la Segunda Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Bogarde estuvo en las batallas de Europa y el Pacífico, principalmente como oficial de inteligencia. En abril de 1945 fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó bastante y de la cual no pudo hablar durante varias décadas. Su horror y repulsión hacia la crueldad que vio en Belsen ayudaron a crear una especie de hostilidad hacia Alemania; en los años 90 escribió que bajaría de un ascensor antes que estar en uno junto a un alemán. Irónicamente, tres de sus papeles más importantes serían interpretando a un alemán (uno de ellos, un oficial de las SS).

Tras la guerra, la atractiva apariencia varonil de Bogarde le permitió comenzar una carrera como actor, siendo contratado por la Rank Organisation.

En 1950 logró cierto reconocimiento tras su papel como el criminal Tom Riley, quien disparó al policía George Dixon en The Blue Lamp; pero fue la comedia Doctor in the House (1954), producida por Betty Box, dirigida por Ralph Thomas y coprotagonizada por Kenneth More, Donald Sinden y James Robertson Justice, la que hizo de Bogarde una estrella.

Durante los años cincuenta, interpretó a un asesino que se hace amigo de un joven en Hunted (1952, también conocida como The Stranger in Between); un aviador que, en contra de las órdenes, se une a un gran ataque en contra de los alemanes en Appointment in London (1953); el papel de un sargento atrapado en una lancha con sir Michael Redgrave en The Sea Shall Not Have Them (1954) y, en The Sleeping Tiger (1954), a un criminal, acompañado del actor Alexis Smith.

La primera película de Bogarde junto al director Joseph Losey, Doctor at Sea (1955), coprotagonizada por Brigitte Bardot en uno de sus primeros papeles cinematográficos; Cast a Dark Shadow (1955), como un hombre que se casa por dinero y luego asesina a su esposa; The Spanish Gardner (1956), coprotagonizada por Cyril Cusack y Bernard Lee; Doctor at Large (1957), otro trabajo de la serie de doctores, coprotagonizada por Shirley Eaton; A Tale of Two Cities (1958), una adaptación del cásico de Charles Dickens; The Doctor's Dilemma (1959), por George Bernard Shaw y coprotagonizada por Leslie Caron y Robert Morley, no es parte de la serie de doctores; y Libel (1959), interpretando a tres personajes y coprotagonizada por Olivia de Havilland.

Bogarde se convirtió rápidamente en un ídolo de matiné y se convirtió en el británico más popular de Hollywood durante los años cincuenta. La principal característica de las actuaciones de Bogarde era su natural desenvoltura frente a las cámaras, no costándole asumir complicados perfiles de sus personajes, de hecho fue uno de los primeros actores en interpretar a un bisexual en la pantalla inglesa.

Tras 1960, Bogarde adoptó trabajos más difíciles, como su personaje en Victim (1961); Hugo Barrett en The Servant (1963) (dirigida por Joseph Losey); el reportero de televisión Robert Gold en Darling (1965); Stephen, un profesor de la Universidad de Oxford, en Accident (1967); el empresario alemán Frederick Bruckman en la película de Luchino Visconti The Damned (1969); el exnazi, Max, en la controversial The Night Porter (1974) dirigida por Liliana Cavani; y, el más conocido, Gustav von Aschenbach en Muerte en Venecia (1971) también dirigida por Luchino Visconti. Estas filmografías son la edad de oro de Bogarde.

Otras películas de Bogarde durante los años sesenta y setenta fueron The Angel Wore Red (1960), donde hizo de un sacerdote que se enamora del personaje de Ava Gardner, quien trabaja en un cabaret durante la Guerra Civil Española; Song Without End (1960), donde interpreta a Franz Liszt y dirigido por George Cukor; The Singer Not the Song (1961), como un bandido mexicano y coprotagonizada por Sir John Mills como sacerdote. HMS Defiant (también conocida como Damn the Defiant!) (1962), donde hace al personaje del teniente Scott-Padget junto a Sir Alec Guinness; I Could Go On Singing (1963), interpretando a David Donne coprotagonizando con Judy Garland en su último papel cinematográfico; The Mind Benders (1963), una película sobre experimentos en la Universidad de Oxford (precursora de Altered States (1980)) interpretando al Dr. Henry Longman; Hot Enough For June (1964), (también conocida como Agent 8 3/4) (1964), una parodia de James Bond interpretando al agente secreto Nicholas Whistler; King And Country (1964), haciendo el papel del Capitán Hargreaves, junto a Tom Courtenay; Modesty Blaise (1966), película de espías donde hizo del archivillano Gabriel; Our Mother's House (1967), donde interpretó a Charlie Hook, padre de siete hijos, dirigido por Jack Clayton; The Fixer (1968), basada en la novela de Bernard Malamud donde hizo de Bibikov, coprotagonizada por Alan Bates; Sebastian (1968), interpretando al profesor de la Universidad de Oxfor Mr. Sebastian junto a Sir John Gielgud, Susannah York y Lilli Palmer; Oh! What A Lovely War (1969), haciendo el papel de Stephen, coprotagonizada por Sir John Gielgud y dirigida por Sir Richard Attenborough; Justine (1969), interpretando a Pursewarden y dirigida por George Cukor; Le Serpent (1973), haciendo el papel de Boyle, coprotagonizada por Henry Fonda y Yul Brynner; A Bridge Too Far (1977), en el controvertido papel del General Frederick "Boy" Browning junto a Sean Connery, y otras estrellas; Providence (1977), interpretando a Claude Langham y coprotagonizada por Sir John Gielgud; Despair (1978), como Hermann Hermann; y Daddy Nostalgie (1991) haciendo de Daddy junto al actor Jane Birkin, en la última interpretación cinematográfica de Bogarde.

Mientras estaba en la Rank Organisation, Bogarde fue considerado para la versión cinematográfica de Lawrence Of Arabia, la cual sería dirigida por Anthony Asquith. El rol de Lawrence finalmente fue entregado a Peter O'Toole, en una película distribuida por Columbia Pictures en 1962 y dirigida por David Lean. El no poder interpretar a Lawrence de Arabia fue una de las grandes descepciones de Bogarde en la industria del cine. Bogarde también fue considerado para el rol en la película de MGM Doctor Zhivago (1965). Mientras trabajaba en Darling con Julie Christie, recibió la noticia de que interpretaría a Lara en Zhivago, pero Bogarde no. Algunos años antes, había rechazado el rol de Gaston en Gigi (1958) de MGM. Cualquiera de estos tres papeles le hubieran dado reconocimiento internacional, pero no fue así. Sin embargo, Bogarde dejó su legado en un estilo diferente de personajes, más controvertidos.

Bogarde fue nominado seis veces como mejor actor por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA), ganando dos veces por The Servant en 1963 y Darling en 1965. Además recibió el premio a la trayectoria del Círculo de Críticos Cinematográficos de Londres en 1991.

Entre 1939 y 1991 hizo 63 películas.

En 1977 Bogarde se dedicó a su segunda carrera, como escritor. Comenzando con su primer volumen A Postillion Struck by Lightning, escribió una serie de autobiografías, novelas y críticas de libros. Como escritor Bogarde demostró ser un autor de estilo elegante.

Bogarde nunca contrajo matrimonio, y durante su vida, se dijo que era homosexual. Durante varios años compartió su hogar con su representante Anthony (Tony) Forwood (esposo de la actriz Glynis Johns y padre del actor Gareth Forwood), pero negó varias veces que su relación fuese algo más que amistad.

Aunque Bogarde ha sido criticado por algunos ya que nunca hizo conocer su situación, protagonizó la película de 1961 Victim donde interpretaba a un bisexual en Londres que mantenía una relación sentimental con un joven. Victim es considerada la primera película británica en tratar seriamente el tema de la homosexualidad. La película ayudó a cambiar las leyes que afectaban a los homosexuales en el Reino Unido, gracias a las labores de Harold Wilson en 1967.

La relación más seria de Bogarde con una mujer fue con la actriz francesa Capucine, con la cual quería casarse.

En 1984 Bogarde fue presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes. Esto significó un gran honor para Bogarde, ya que fue el primer británico en ocupar este puesto.

Los papeles de Bogarde lo convirtieron en un artista de culto. El cantante Morrissey era uno de sus fanáticos, y, según Charlotte Rampling, Bogarde recibió una oferta en 1990 de Madonna para aparecer en su video Justify My Love, citando The Night Porter como inspiración. Bogarde rechazó su oferta.

Dirk Bogarde recibió el título de caballero en 1992 debido a sus servicios mediante la actuación, y recibió otros honores de las universidades St. Andrews y Sussex. Debido a su hábito de fumar, Bogarde sufrió un pequeño infarto en noviembre de 1987, mientras Tony Forwood estaba muriendo debido a su cáncer y enfermedad de Parkinson.

En septiembre de 1996 se sometió a una operación debido a complicaciones arteriales, y sufrió un severo tromboembolismo pulmonar inmediatamente tras la intervención. Durante los últimos tres años de su vida Bogarde tuvo un lado de su cuerpo paralizado, esto además afectó su voz.

Logró, sin embargo, completar un último volumen autobiográfico. Antes de morir pasó sus últimos días junto a su amigo Luren Bacall. Sir Dirk Bogarde murió en Londres de un ataque cardíaco el 8 de mayo de 1999 a la edad de 78 años.

Sus cenizas fueron esparcidas en el estado de Le Haut Clermont cerca de Grasse, al sur de Francia.

Sir Dirk Bogarde es considerado por algunos como la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX
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MensajePublicado: 25 Apr 2008 7:23 pm     Responder citando

Yul Brynner




Yuli Borisovich Bryner ( conocido como Yul Brynner), (n. 11 de julio de 1920 - m. 10 de octubre de 1985) fue un actor de cine nacido en Rusia y posteriormente nacionalizado estadounidense.

Fue hijo del matrimonio formado por el ingeniero e inventor ruso llamado Boris Bryner (de ascendencia en parte suiza y mongola) y Marousia Blagovidova; su nombre lo heredó de su abuelo, Jules Bryner.

Fue educado en París, en el exclusivo Lycée Moncelle, y luego fue aprendiz de actor en el Theatre des Mathurins, con la supervisión de Jean Cocteau.

Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo en París, a sus veinte años, como cantante de un nocturno, artista de pantomima y payaso trapecista. Fue fotografiado desnudo como modelo por George Platt Lynes.

En 1941 viajó a los Estados Unidos con una compañía teatral. Su primer paso a la fama fue con su representación teatral de The King and I ("El rey y yo"), la cual representó 4.626 veces durante su vida artística. Con esta obra ganó un Oscar a la mejor interpretación, luego de que fuera llevada a la pantalla grande, coprotagonizada por Deborah Kerr, en 1956.

La apariencia un tanto exótica fue lograda con su carismática cabeza rapada, pues no era calvo; eso se puede comprobar en la película Salomón y la Reina de Saba, dirigida por King Vidor y coprotagonizada por Gina Lollobrigida. Todo esto hizo de Yul Brynner un actor cotizado para papeles de egipcio, rusos, mongoles y orientales en general.

Ese mismo año apareció en dos otras importantes producciones, Anastasia, junto a Ingrid Bergman (papel que le valió el Oscar a esta actriz sueca) y The Ten Commandments (Los diez mandamientos), donde interpretó a Ramsés II; posteriormente apareció en filmes considerados clásicos como The Magnificent Seven y Westland.

Además de su trabajo como actor, Brynner fue un fotógrafo activo y escribió dos libros. Su hija Victoria compiló en otro libro sus fotografías familiares, de amigos y colegas actores, así como también aquellas que tomó mientras servía como asesor para refugiados de la ONU. El libro se titula "Yul Brynner: fotógrafo" . Estudiante de música desde su infancia, fue también intérprete de guitarra y cantante. En los primeros días de su estancia en Europa, solía tocar y cantar canciones gitanas en clubs nocturnos de París, junto a Aliosha Dimitrievitch. Cantó algunas de estas canciones en el film Los Hermanos Karamazov. En 1967, él y Dimitrievitch editaron un álbum, "El Gitano y Yo: Yul Brynner Canta Canciones Gitanas" (Vanguard VSD 79265).

Estuvo casado cuatro veces:

1º Con la actriz Virginia Gilmore entre 1944-1960; tuvieron dos niños llamados Yul Brynner II(1946) y Lark Brynner(1958).

2ºEntre 1960-1967 estuvo casado con la modelo chilena Doris Kleiner; tuvieron una niña, llamada Victoria Brynner.

3ºEntre 1971-1981 se casó con una activista francesa llamada Jacqueline de Croisset; no tuvieron hijos propios.

4ºEn 1983 se casó con la bailarina china Khaty Lee, su última esposa.

Tuvo un romance además con la actriz Marlene Dietrich, en los años 50.

Yul Brynner contrajo un cáncer al pulmón (era fumador empedernido) y el 10 de octubre de 1985 falleció, a pesar de haber luchado por dejar el vicio. En enero de 1985, nueve meses antes de su muerte, dio una entrevista en el programa televisivo estadounidense Buenos Días, América, expresando su deseo de hacer un comercial contra el tabaquismo. Un clip de esa entrevista se convirtió en un anuncio público por la American Cancer Society; fue estrenado después de su muerte. En él, dice "Ahora que me fui, te digo: no fumes". Sus restos descansan en una abadía de Luzé, cerca de Poitiers (Francia), llamada Saint-Michel-de-Bois-Aubry.
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MensajePublicado: 25 Apr 2008 7:29 pm     Responder citando

Richard Harris




Richard St John Harris (n. 1 de octubre de 1933 - m. 25 de octubre de 2002) fue un actor, cantante y guionista irlandés. Conocido por haber intervenido en numerosos films como Camelot (1967) y en el papel de Albus Dumbledore en Harry Potter y la piedra filosofal (2001) y Harry Potter y la cámara secreta (2002), su última película. Pero sin duda pasará a la historia como el aristócrata inglés capturado en Un hombre llamado caballo (1970).

Harris fue un conocido playboy y bebedor, parte de una generación de actores británicos e irlandeses como Albert Finney, Laurence Harvey, Peter Finch, Richard Burton y Peter O'Toole.

Richard Harris nació en la ciudad irlandesa de Limerick y era el hijo mayor de los nueve hijos de Ivan Harris y Mildred Harty. Fue al colegio jesuita Crescent College y destacó por sus virtudes en el rugby llegando a jugar en el Garryowen. Cuando sus pasos iban dirigidos a ser una estrella del rugby, contrajo la tuberculosis por lo que tuvo que dejar la práctica deportiva.

Después de recuperarse de la enfermedad, Harris se trasladó a Londres ya que quería convertirse en director teatral. Al no encontrar cursos relacionados con su afición, se enroló en la Academia de música y arte dramático de Londres (LAMDA) para estudiar interpretación. Cuando todavía era un estudiante, Harris alquiló el Teatro Irving del West End" para dirigir y producir su propia producción sobre la obra de Clifford Odets Winter Journey (The Country Girl). El espectáculo tuvo un gran éxito pero la financiación se acabó por lo que Harris tuvo que abandonar el proyecto.

Después de completar sus estudios en la Academia, Harris se unió a la compañía de Joan Littlewoody comenzo a participar en funciones de las producciones del West End, destacando en The Quare Fellow 1956.

Harris hizo su debut en el cine en 1958 en el film Alive and Kicking y un año más tarde ya trabajaría con el entonces prestigioso director británico Michael Anderson Misterio en el barco perdido. La década de los 60 comenzaría de una manera excepcional con su aportación en Los cañones de Navarone o su aportación en Rebelión a bordo, donde es un excelente apoyo al duelo interpretativo entre Trevor Howard y Marlon Brando.

Su primera aparición como protagonista sería en El ingenuo salvaje, como el joven minero Frank Machin, papel por el cual ganaría la Palma de Oro al mejor actor en el festival de Cannes y una nominación a los Oscar. El siguiente papel sería una de las obras maestras de Sam Peckinpah Mayor Dundee junto a Charlton Heston en la que interpreta a un inmigrante irlandés combatiente en la Guerra de Secesión.

La fama de Richard Harris no pararía de crecer y cada película que realizaba era más taquillera que la anterior. La siguiente película sería la del Rey Arturo en la adapatación musical que Joshua Logan hizo de Camelot. También, en 1968, Harris tuvo un cancíon muy popular: "Mac Arthur Park", de su álbum "A Tramp Shining" ("Un Vagabundo Brillando") y Harris gano mucho popularidad en en el área de la música; despues, tuvo él tuvo muchos álbumes de música. Después llegaron Odio en las entrañas junto a Sean Connery.

Pero sin duda, el gran éxito mundial de Harris sería el de Un hombre llamado caballo donde Harris protagoniza a un aristócrata inglés que es raptado por una tribu india.

En los 70, protagonizaría El hombre de una tierra salvaje, Robin y Marian, Orca, la ballena asesina 1977 o Patos salvajes. A partir de ahí, Harris entró en una categoría de actor de culto y se dedicó a su faceta como cantante e, incluso, escribió un aclamado libro de poemas llamado: I, In The Membership Of My Days.

Pero en la década de los 80, la carrera de Harris entra en franco declive. No sería hasta 1990 cuando volvería a ser el actor reclamo gracias al papel que le reservó Jim Sheridan en su film El prado, papel por el cual obtendría una nominación a los Globo de Oro y a los Oscar en la categoría de actor principal.

En los últimos años de la vida de Richard Harris, el actor irlandés volvió a reverdecer los laureles de la gloria. Así, Harris protagonizaría pequeños pero intensos papeles en las oscarizadas Sin perdón y Gladiator.

Pero en sus últimos años, Harris será relacionado para siempre con el papel de Albus Dumbledore en las dos primeras entregas de la saga de Harry Potter. Harris moriría en 2002 por la enfermedad de Hodgkin a la edad de 72 años, a los pocos meses de la segunda entrega de la saga.
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